Подкаст
BAYSA
Это подкаст об истории музыкальной культуры в Казахстане. Подкаст сделали студия подкастов Bulbul и Фонд имени Батырхана Шукенова при поддержке Фонда Булата Утемуратова.

Вместе с нашими героями и героинями – музыковедками, культурологами и музыкантами, – в этом подкасте мы рассказываем о знаковых песнях и выдающихся людях, о том, как музыка сопровождала быт кочевников от колыбели до могилы, как помогала проживать коллективную травму и хранить память о минувших эпохах.

В создании подкаста приняли участие: Сауле Утегалиева, Саида Еламанова, Зира Наурызбаева, Меруерт Курмангалиева, Айтолкын Токтаган, Антон Сомов, Жанель Сафиева, Баглан Бабижан, Мейрамгуль Кусаинова, Нурлан Бекенов, Бауыржан Жилкибаев.

Обложка создана на основе архивной фотографии фотокорреспондента ИТАР-ТАСС Геннадия Кошкинцева, которая вместе с другими его фотографиями сохранена племянником Кошкинцева – казахстанским журналистом Кириллом Павловым. Фотография сделана в 1980 году в окрестностях города Каратау.

Дизайнерка обложки Гульдана Тауасар по нашей просьбе обратилась к стилистике обложек виниловых альбомов прошлого столетия. Горчичный цвет напоминает землю в степи, а графические элементы – одновременно цветы и орнамент.


Джингл или музыкальная композиция, открывающая каждый эпизод, создан казахстанским композитором Эмилем Досовым (The BUHARS). Он совместил в композиции звучание национальных инструментов и современные семплы. Для нас особенно важно, что в открывающей композиции звучит голос казахстанского оперного певца Ришата Абдуллина – это отрывок из оперы «Абай», записанный в 1958 году.
Сезон 2
Трейлер
Сезон 2. Эпизод 1. Как музыка стала массовой
Лекцию написала музыковедка Жанель Сафиева.

К 50-м годам XX века в Советском Казахстане активно развивались культурные институции. Консерваторию в Алма-Ате — главное на тот момент музыкальное учебное заведение стран — оканчивали первые выпускники. В Оперном театре ставили произведения казахстанских композиторов и мировых классиков, а оркестр имени Курмангазы исполнял переложения традиционных казахских кюев и музыку казахстанских и зарубежных авторов. Регионы ничуть не отставали от столицы, потому что и там советская культурная политика по формированию академического музыкального искусства реализовывалась в полной мере.

Популярное музыкальное искусство до этого периода было представлено самодеятельными песнями, которые исполнялись в домашнем кругу, звучали по радио, исполнялись на концертах. В своей монографии музыковед Гульнара Абдрахман казахским самодеятельным творчеством называет форму музыкального самовыражения, не связанную с внешней необходимостью, а вызванную внутренними потребностями и музыкальной одаренностью авторов. Такими самодеятельными музыкантами в первой половине ХХ века стали исполнители, которые хорошо владели родным языком и продолжили традиции устной профессиональной культуры,. Но в современных реалиях они фактически считались авторами-любителями, так как не были включены в новую модель музыкального образования.

Тем временем за пределами Советского Союза активно развивается популярная культура и такие мейнстримные музыкальные жанры, как джаз и рок-н-ролл, которые завоевывали всё большую любовь слушателей.

Известный музыковед Виктор Цукерман подчеркивал, что «развитие современной массовой культуры способствовало резкому увеличению аудитории слушателей, став поистине всенародной». Благодаря техническим достижениям Музыка физически стала доступна каждому. Радио, телевидение, проигрыватели — перед слушателем больше не было границ. Даже железный занавес не мог остановить музыку.

В противовес западной культуре в Союзе развивалась эстрада, под которой понималось сценическое искусство развлекательного содержания. Сюда относились цирковые представления, пародии, сатирические выступления, танцы. Самым ярким проявлением эстрадного искусства стал песенный жанр. По сути, это та же поп-музыка, но созданная согласно советской идеологии.

В этих условиях постепенно начала формироваться казахстанская поп-культура, какой мы знаем ее сегодня. Несмотря на довольно богатое наследие, попыток осмыслить казахстанскую эстраду не так много. Одна из первых — по теоретическому осмыслению казахстанской массовой музыкальной культуры — принадлежит музыковедке Айжар Айтуаровой. В своей кандидатской диссертации она развивает идею того, что генетические корни массовой музыкальной культуры Казахстана заложены в двух направлениях: в фольклорном пласте казахской культуры и устном профессиональном творчестве. Иначе говоря, казахстанская поп-музыка проявилась в синтезе традиционной музыки и «общесоюзной номенклатуры массово-популярных жанров» [Айтуарова, с. 9]. Этот синтез стал результатом стандартизации музыкально-развлекательной сферы, которая проводилась в рамках культурной политики СССР. Ее суть заключалась в том, что вся массовая музыка общесоюзного пространства развивалась по универсальной модели советской эстрады. Сходные процессы можно видеть и в формировании национальных опер, что было продиктовано сталинским принципом «национальное по форме — социалистическое по содержанию». Мы рассказывали об этом в первом сезоне подкаста BAYSA.

Итак, массовая музыкальная культура в Казахской ССР развивалась по трем направлениям. Первое связано со стилевыми моделями популярной музыки второй половины XX века. Это не только общественно приемлемая советская эстрада, но и джаз, рок-н-ролл и другие.

Второе направление продолжило линию популярных песен, созданных в тесной связи культуры и советской власти. К ним можно отнести песни Тулебаева и Хамиди — ярких основоположников этой песенной традиции, а также наследие их преемников — молодых композиторов второй половины прошлого века Шамши Калдаякова, Ескендира Хасангалиева, Сейдоллы Байтерекова.

Наконец, третье направление связано с произведениями самодеятельных авторов — любительский пласт, который был ближе к традиционной казахской музыке. Именно здесь на локальном уровне продолжалось развитие традиционного искусства в условиях Советского Казахстана. К этому направлению можно отнести песни Данеша Ракишева, Ильи Жаканова, Алтынбека Коразбаева.

Помимо эволюции музыкальных проигрывателей, радио- и телевещания, распространению этих жанров способствовала обстановка в обществе, особенно в период оттепели. В СССР начали сниматься фильмы, в которых говорилось о любви и отношениях между людьми. В это время появляются «Бриллиантовая рука» и приключения Шурика Леонида Гайдая, «Девчата» Юрия Чулюкина и «Человек-амфибия» Владимира Чеботарёва и Геннадия Казанского, «А если это любовь?» Юлия Райзмана и «Я шагаю по Москве» Георгия Данелии. Этот момент стал началом размывания культурной изоляции от Запада. Появились первые ростки молодежных субкультур — хиппи и битники, советская молодежь получила доступ к западной поп-музыке благодаря кустарной дистрибуции музыки.

Важную роль в распространении западной музыки в Советском Казахстане играли фарцовщики, деятельность которых была уголовно наказуема. Они продавали популярные виниловые пластинки, аудиокассеты и бобины. На местных подпольных рынках пластинки и вовсе становились «валютой». Они стоили от 25 до 120 рублей — большие деньги, сравнимые с месячной зарплатой специалиста. Помимо фарцовщиков, пластинки появлялись и благодаря людям, у которых была возможность ездить за границу, в основном с гастролями и командировками, — это артисты, дипломаты, военные.

Начало формирования массовой музыкальной культуры в Казахстане принято отсчитывать с 1956 года, когда при Комитете радио и телевидения КазССР был образован коллектив, который позже станет Казахским эстрадно-симфоническим оркестром телевидения и радио. Коллектив был создан, чтобы пропагандировать среди граждан оркестровые произведения и эстрадные песни казахстанских композиторов на радио и телевидении. Со временем он стал символом популярной музыки в стране.

Здесь начинали свой творческий путь знаменитые дирижеры, композиторы и солисты, создававшие песни, которые сейчас считаются образцами советской массовой музыки в Казахстане. В разные годы оркестром руководили Валериан Каретников, Василий Лисица, Александр Гурьянов, Кенес Дуйсекеев, а в числе солистов значились Суат Абусеитов, Гульвира Разиева, Ескендир Хасангалиев, Лаки Кесоглу, Зейнеп Койшыбаева, Люция Тулешева и многие другие.

В 60-е годы оказалось, что исполнять лишь местную музыку уже невозможно — из-за железного занавеса в страну проникала западная музыка, которая очень быстро набирала популярность. Тогда музыканты эстрадно-симфонического оркестра стали включать в концертные программы джазовые произведения, ноты которых присылали из Москвы. Таким образом Казахский эстрадно-симфонический оркестр телевидения и радио повлиял на становление казахстанского джаза.

Нужно отдать должное руководителям оркестра и музыкантам, ведь в то время власти негативно относились к подобной музыке, причем в Казахской ССР это отношение, сохранялось даже дольше, чем в остальных советских республиках. По одной из версий, в Алма-Ате тех лет была довольно развитая джазовая тусовка, за которой следили сотрудники КГБ.

Джаз в Советский Казахстан проник в 50-х годах. Одним из пионеров этого жанра стал барабанщик Валерий Юлевич, собравший в Алма-Ате джаз-бэнд, который играл на танцах в Доме культуры авторемонтного завода на Ауэзова — Гоголя. Исполняли джазовые произведения, снятые на слух с записей зарубежных джазовых коллективов. В тот период в Алма-Ате часто гастролировали джазовые составы советских республик — Белоруссии, Латвии, Азербайджана, Армении. Первые джазовые коллективы развивали в Казахстане эстрадно-джазовое направление. И лишь в 70-х годах, благодаря группе «Бумеранг» Тахира и Фархада Ибрагимовых, здесь зазвучал традиционный джаз с элементами импровизации. Они же повлияли на открытие первого в Казахстане джаз-клуба.

25 июня 1964 года Центральный комитет Компартии Казахстана принял постановление «О состоянии музыкального искусства в Республике и мероприятиях по его развитию». Документ содержал указ для Кабинета министров создать эстрадную студию, которая решила бы проблему дефицита профессионалов для концертных организаций страны.

Спустя почти год, 20 мая 1965 года, правительство Казахской ССР приняло Постановление №383 «Об организации эстрадной и хоровой студии». Все краевые и областные управления культуры, а также театры получили указание до 20 июля того же года провести работу по отбору талантливых ребят из регионов и столицы для обучения в студии.

1 сентября 1965 года при Казахконцерте начала работу двухгодичная эстрадная студия, а при театре оперы и балета имени Абая — двухгодичная хоровая студия. Казахстан стал третьей республикой — после России и Украины, — где открылись подобные столичные студии для развития локальной эстрады.

Первой директоркой и творческой руководительницей эстрадной студии стала заслуженная артистка Казахской ССР Гульжихан Галиева. В дальнейшем студия выросла в существующий и поныне Республиканский эстрадно-цирковой колледж имени Жусупбека Елебекова.

Выпускники эстрадной студии в 1967 году под руководством Галиевой сформировали первые составы молодежного ансамбля «Гүлдер» и Государственного кукольного театра и казахского цирка.

В легендарном молодежном ансамбле «Гүлдер» начинали свою карьеру Роза Рымбаева, Кайрат Байбосынов, Макпал Жунусова и многие другие исполнители. По воспоминаниям композитора и пианиста Еркена Инктыкбаева исполнение песни «16 қыз» ансамблем «Гүлдер» сопровождалось танцем шестнадцати девушек в укороченных национальных платьях с домбрами в руках. Это поначалу шокировало публику, но повлияло на новые формы исполнительства на казахской сцене.

Массовая музыкальная культура 50–60-х годов повлияла на всё последующее развитие музыки Советского Казахстана. Советская номенклатура постепенно уменьшала свое давление на искусство, поэтому новые музыкальные течения проникали в страну не только в виде пластинок, но и добирались до сценического воплощения благодаря первым музыкальным институциям — оркестрам и эстрадно-цирковой студии. Именно им принадлежит большая роль в популяризации важнейшего направления казахской массовой музыки, связанного с песенной лирикой Шамши Калдаякова, Асета Бейсеуова и Сейдоллы Байтерекова, которым будет посвящен следующий эпизод подкаста BAYSA.
Сезон 2. Эпизод 2. Три имени из истории казахской музыки: Шамши Калдаяков, Асет Бейсеуов, Сейдолла Байтереков
Эпизод 2. Три имени из истории казахской музыки: композиторы-песенники Шамши Калдаяков, Асет Бейсеуов, Сейдолла Байтереков

Для подготовки этого эпизода мы поговорили с аранжировщиком и музыкантом Ильёй Башкатовым, композиторами Санжаром Байтерековым и Артыком Токсанбаевым. Они поделились своим профессиональным взглядом на наследие трех важных фигур в казахской эстраде, которое стало основой поп-музыки.

Во второй половине XX века в Казахстане жили и творили удивительно талантливые казахские композиторы-песенники. Все они внесли свой вклад в создание музыкальной среды Казахстана. Сегодня мы расскажем о трех из них, музыкальное наследие которых живет и процветает спустя много десятков лет.

Но, прежде чем начать разговор о композиторах, давайте поговорим об эстраде и эстрадном жанре — устоявшемся явлении советской культурной жизни.

Когда мы говорим «эстрада», то возникают ассоциации с большой сценой, сценическим светом, звукоусилительным оборудованием, что вполне справедливо. Эстрада — это понятие, появившееся в ХХ веке и сформировавшееся на основе песенных жанров городской культуры. Признаться, термин эстрада был достаточно размытым. Под него подпадали и рок, и поп, и джаз, и другие жанры, которые соответствовали одному критерию: предназначенность для публичного развлекательного выступления. Базовыми характеристиками эстрадной песни были простота и доступность, максимальная близость образов большинству людей, актуальность тематики, простая куплетная форма, ориентация на самую широкую аудиторию. При существовавшей поляризации серьезных и легких жанров, среди эстрадной музыки все-таки появлялись шедевры. И творчество героев этого эпизода богато произведениями, ставшими evergreen.

Композиторы, о которых мы говорим в этом эпизоде, — Шамши Калдаяков, Асет Бейсеуов и Сейдолла Байтереков. Композиторы разные, но несомненно талантливые и яркие, сумевшие оставить большой след в истории казахской культуры. И хотя их нельзя поставить в один ряд, все трое писали в одном из самых демократичных жанров — жанре песни, и всех троих объединяет не только народная любовь и прижизненное признание, но и визионерство, с которым они подходили к написанию музыки.

Фигура Шамши Калдаяков стоит несколько особняком в плеяде талантливых и популярных казахских композиторов. Конечно, и до него были композиторы, писавшие лиричные песни, например Садык Каримбаев или Аблахат Еспаев, но чтобы творчество композитора настолько глубоко проникало в народ и завоевало любовь слушателей — это в первую очередь песни Шамши Калдаякова.

Шамши Калдаяков родился в музыкальной семье: его отец Анапия Домбаев был акыном, играл на кобызе и домбре, а мать Сакыпжамал Домбаева обладала красивым голосом, знала многие казахские народные песни, пела и играла на домбре. Родители всячески поддерживали интерес сына к музыке — по просьбе сына Анапия купил ему мандолину.

Путь Калдаякова к профессиональной музыке не был прямым и простым. В тяжелые годы войны он, еще подросток, работал водителем грузовика, позже поступил на зоотехника, затем ушел в армию. Находясь на службе в Подмосковье, Шамши Калдаяков окончательно принимает решение связать свою жизнь с музыкой.

Свое первое музыкальное образование он получил в Ташкенте, куда переехал к сестре вскоре после возвращения из России. Калдаяков поступил в музыкальное училище имени Хамзы на факультет теории музыки и композиции — в класс Соломона Юдакова и Аркадия Каральских. В Ташкенте Калдаяков познакомился с гастролировавшей в Узбекской ССР солисткой алматинской филармонии Жамал Омаровой, которая пригласила подающего надежды композитора в Алма-Ату. Здесь он в 1956 году, будучи уже популярным композитором, который написал патриотическую песню «Менің Қазақстаным», поступает в Консерваторию. Но учебу он не окончил — обстоятельства сложились иначе, и он с семьей переехал в Шымкент. На дворе были шестидесятые.

Вообще личность Шамши Калдаяков сопровождают устоявшиеся нарративы. Один из главных, конечно, «король казахского вальса». Возникает вопрос: а почему именно казахского вальса? Ведь сам термин «казахский вальс» ввел в обиход композитор Латиф Хамиди, написав собственное произведение, которое так и называлось — «Казахский вальс».

Дело в том, что многие песни Шамши Калдаякова написаны в трёхдольном, то есть вальсовом размере. Так звучит венский вальс (найти пример венского вальса). А так звучит песня Шамши Калдаякова (отрывок песни, в которой есть отчетливый вальсовый размер). С другой стороны, трехдольный размер был довольно популярен в то время на советской эстраде, и другие казахские композиторы тоже писали в этом размере. Вот, к примеру, отрывок песни «Махабат вальсі» Бекена Жамакаева (Бекен Жамакаев «Махаббат вальсi»).

Другой титул Шамши Калдаякова, о котором говорят меньше, но, несомненно, заслуживающий внимания, — король казахской застольной песни. Сейчас это звучит непривычно, и можно подумать, что несерьезно и даже обесценивающе. Во многом потому, что застольная песня как практика практически ушла из нашей жизни, ведь за последние десятилетия во многом изменился сам способ взаимодействия с музыкой. А раньше, во времена наших бабушек и даже мам популярность песни измерялась, в числе прочего, и тем, как часто ее поют в быту. В первую очередь в Казахстане тех лет пели песни Шамши Калдаякова, а чуть позже — песни Асета Бейсеуова и Ескендира Хасангалиева.

В шестидесятые годы магнитофон еще был роскошью для среднестатистической советской семьи. Зато у каждой семьи было радио, работавшее с раннего утра и до полуночи. Чтобы стать звездой достаточно было прозвучать в радиоэфире несколько раз, потому что изобилия контента не было, каналов и радиостанций тоже. Полюбившихся артистов и артисток слушатели в письмах просили ставить почаще. Так формировалась народная узнаваемость и популярность.

А тому, с какой скоростью песни Шамши Калдаякова уходили в народ, могли позавидовать многие. Как никто другой, он умел нащупать путь к сердцу слушателей. И здесь, конечно, ключевое — это невероятная синергия с поэтами, с которыми он работал, потому что песня — результат синтеза музыки и слова. С Шамши Калдаяковым работали многие знаковые поэты Казахстана: Туманбай Молдагалиев, Мухтар Шаханов, Нурсултан Алимкулов, Музафар Алимбаев, Кадыр Мырзалиев. С одной стороны, их стихи были очень красивы, а с другой, очень близки человеку. Люди слушали, запоминали и пели их песни, находя в этом что-то родное на фоне довольно чопорной и, в общем-то, часто формальной советской эстрады, которая, в конце концов, проходила сквозь большой фильтр цензуры и была одним из инструментов пропаганды (Лев Лещенко «Любовь, комсомол и весна»). А Шамши — выходец из южного Казахстана — нес в себе широту души и размах гостеприимства, которым славится этот край. Его песни очень вписывались в культуру праздника, сопровождая ее и в какой-то момент став уже неотъемлемой ее частью. И Алма-Ату его влияние тоже не обошло — здесь песни Шамши Калдаякова сразу стали очень значимыми. И, по большому счету, здесь многое и писалось.

Шамши Калдаяков — это действительно гений-самородок, потрясающе талантливый композитор. Человек, который, наверное, не думал, кáк он пишет эти песни. Он просто их писал. И что-то подсказывает, что нам еще предстоит открыть новое в творчестве Калдаякова, потому что остались его неизданные, никем не исполненные песни.

Вечера памяти Шамши Калдаякова проходят ежегодно во многих городах Казахстана и собирают полные залы. Это свидетельствует о том, что и спустя десятилетия его музыка всё еще по-хорошему мейнстримна и востребована. Однако то, что сегодня имя Шамши Калдаякова стало мощным музыкальным брендом, отчасти заслуга нашего современника — Калдыбека Құрманәлі, который с 1992 года проводит вечера творчества «Шәмшінің әуендері». Калдаякову он посвятил песню «Ән аға» или, как ее еще называют, «Шәмшімен сырласу», в которой он цитирует мелодию одной из песен композитора.

Несколько иначе сложилась судьба другого известного казахского композитора Асета Бейсеуова.

Асет Бейсеуов родился в 1938 году недалеко от Алма-Аты, в ауле Каргалы. Когда началась война, его отец Копбай, ушел на фронт, где и погиб. Мать Асета Рахима уехала в Павлодар к своей семье, оставив сына на воспитание брату Копбая — Кожамкулу. Сначала он учился в школе в Каргалы, а став чуть старше, перевелся в алматинский интернат, где познакомился с учителем Ибрагимом Нусипбаевым, который заметил талант ученика к пению и порекомендовал записаться в кружок по хору. Свою первую песню он написал в 9 классе, она называлась «Алмалы Алматым», так начался его путь в композиторстве.

В творчестве Асета Бейсеуова есть много ярких композиторских решений. По словам Ильи Башкатова, одна из интересных примет его песен — мелодии хорошо ложатся практически на любой стиль. В качестве примера он приводит песню «Мұнайма», которую делали в стиле босановы, твиста и джаз-рока. Во всех аранжировках она звучит органично и красиво. Песню «Армандастар» в качестве марша исполнял военный оркестр, а у Макпал Жунусовой она прозвучала в стиле диско. Асет Бейсеуов часто пользовался секвенциями, которые быстро запоминаются и ложатся на слух человека с любой степенью музыкальной искушённости. Он был очень хорошим композитором-песенником, достойным большего внимания. Вокально-инструментальный ансамбль «Гүлдер», к слову, назван в честь его одноименной лирической песни.

Эпоха застольных песен в казахской популярной песне начала подходить к концу во второй половине семидесятых годов. Такие композиторы, как Сейдолла Байтереков и Кенес Дуйсекеев, писали песни, которые за столом уже не споешь, — они писали интонационно более сложные песни, для их исполнения нужны были хотя бы базовые навыки владения голосом. Тем не менее они были самыми популярными композиторами-песенниками 70-х и 80-х годов. Их музыку следующее поколение выпускников Консерватории называла «фирма́», что на их сленге означало знак высокого качества.

О Сейдолле Байтерекове всегда отзываются прежде всего, как о прекрасном человеке. Его особая нежность и такая хрупкость разительно выделяли его среди других деятелей культуры. Он родился на юге Казахстана, в большой семье. Его дедушка по материнской линии был виртуозным кюйши, к которому люди приходили со всего ауыла, чтобы послушать игру на домбре. Из всех детей этот музыкальный талант перешёл именно к Сейдолле В школе он играл на баяне и пел, но сам песни не сочинял.

Прежде чем поступить в музыкальный колледж в Шымкенте, он проучился некоторое время в Московском железнодорожном институте, вернулся в Казахстан и отслужил в армии. В профессиональную музыку Сейдолла пришел уже зрелым человеком. После колледжа он приехал в Алматы поступать на дирижера-хоровика в Консерваторию и попал к педагогу Базаргали Жаманбаеву. И это событие стало ключевым моментом в карьере Сейдоллы Байтерекова.

В СССР существовала музыкальная инфраструктура — у композиторов и исполнителей была возможность попасть в ротацию, в том числе зазвучать по радио не только в КазССР, но и по всему Советскому Союзу. В то же время на всесоюзных конкурсах существовал стеклянный потолок для неславянских композиторов: они не получали высоких премий, их песни не завоевывали первых мест.

Песня Сейдоллы Байтерекова «Әлия» в исполнении Розы Рымбаевой стала первой казахской песней, которой удалось преодолеть это негласное правило: ее победа была настолько очевидна, что песня сразу же стала хитом, который вывел казахскую популярную песню на всесоюзный и международный уровень.

Творчество Сейдоллы Байтерекова отличает интересный синтез народной музыки, которую он впитал еще ребенком, и профессиональной хоровой музыки, которую отличает полифония. По словам Санжара Байтерекова, в архиве его отца сохранились партитуры средневековых композиторов, как, например, Якоба Обрехта, что может говорить о том, что Сейдолла Байтереков интересовался полифонией, которая, вообще говоря, несвойственна казахской народной музыке.

Во второй половине ХХ века в советскую музыку начал активно инкорпорироваться джаз. Он стал элементом свободной жизни, таким непонятным и противоречившим всему тому, что музыканты слышали прежде. И Сейдолла Байтереков тоже впитал джаз, вплел его в свою музыку. Джаз дал его музыке новую краску: обилие септаккордов, нонаккордов и синкоп, обращение к южноамериканским ритмам.

И если Шамши Калдаякова называют королем казахского вальса, то Сейдолла Байтереков — король казахской босановы, потому что многие песни Сейдоллы Байтерекова написаны в ритме босановы.

Босанова ворвалась в мир в 60-е годы, став популярным международным музыкальным языком. И казахская босанова — это феномен, который нам еще предстоит раскрыть, причем не только музыковедам, но и самим музыкантам. Несмотря на то что этот жанр зародился в далекой от Казахстана Бразилии, локальная, понятная нам мелодия в казахской босанове не исчезла, композиторская мысль никуда не делась. Босанова удачно легла на мировоззрение казахских композиторов и музыкантов всем своим настроением.

И хотя Сейдолла Байтереков писал хоровые произведения и оркестровые сочинения, музыку к фильмам и спектаклям, песня оставалась для него особым жанром, в котором он чувствовал себя свободнее всего, и именно в песне он раскрылся сильнее всего. И конечно, песня ближе всего слушателям — для композитора отдавать свое искусство людям было очень важно. В одном из интервью он признался, что не хочет делать сложных модуляций в песнях, предпочитая простоту и доступность, чтобы люди могли петь его песни. И они поют: спустя много десятилетий песни Сейдоллы Байтерекова исполняются как профессиональными исполнителями, так и любителями. Например, песню «Жан досым» или «Дос туралы жыр» часто поют на концертах и на частных мероприятиях: свадьбах, юбилеях — и в более узком кругу.

Свои песни Байтереков писал для широкого вокального диапазона, ведь исполнитель — это тоже очень важное звено. Иногда бывает так, что он может плохой материал сделать хорошим и, наоборот, хороший материал сделать плохим. В этом плане музыка среди всех видов искусства сильно зависит от проводника, поэтому любой композитор ищет хорошего исполнителя или исполнительницу. Для Сейдоллы Байтерекова такой исполнительницей стала Роза Рымбаева, которая исполнила многие его песни. Другая не менее яркая исполнительница — Багдат Самидинова, исполнившая песню «Сары Арка» в народной манере. Его песни также пели прославленные певцы Ермек Серкебаев и Алибек Днишев. В общем, Байтереков всегда очень удачно выбирал исполнителей.

Не менее серьезно композитор подходил к текстам, потому что его песни очень привязаны к слову: например, когда текст переводили на другой язык, песня теряла свои краски. По рассказам коллег и членов семьи, композитор тщательно подбирал текст, пропевал его, порой меняя слова местами. Для него было важно, чтобы текст содержал определенное количество гласных, определенное количество ударений. Во многих его песнях по три куплета, а если встречается два — то обязательно восьмистишие. Сам он в одном из интервью говорил, что если текст не поется, то песню невозможно сделать.

Песни Шамши Калдаякова, Асета Бейсеуова и Сейдоллы Байтерекова — это вполне мейнстримная советская эстрада. Однако отличие в том, что ее взоры были обращены на простого казахстанского слушателя. Здесь важно также подчеркнуть роль поэтов, которые часто остаются без должного внимания, когда мы говорим о песнях.

Туманбай Молдагалиев, Жубан Молдагалиев, Бакир Тажибаев, Нурсултан Алимкулов, Абдрахман Асылбек, Шомишбай Сариев и многие другие — это люди, чья значимость в этом жанре не меньше, чем значимость композиторов. Потому что песня — это всегда плод совместного творчества поэта и композитора. Вообще творцы этого периода довольно много уделяли внимание смыслам — смыслы в их песнях играют, пожалуй, важнейшую роль. Возможно, поэтому их песни смогли преодолеть время, оставаясь актуальными и любимыми на протяжении десятков лет.

Композиторов-песенников, которые стояли у истоков казахской популярной песни, конечно, больше, чем трое. Это поколение композиторов и музыкантов, которые по крупицам собирали информацию, перенимали музыкальные приемы и опыт музыкантов-современников из других стран. Часто для этого приходилось ловить радиостанции типа «Голоса Америки», записывать эфиры на катушечные магнитофоны, переписывать, снимать ноты на слух. Услышав однажды непривычный новый ритм, который западал в сердце, музыканты стремились привнести это новое в свою музыку, тем самым посеяв зерно в нашей почве, сделав это частью нашего культурного кода, органической частью нашей культуры.
Сезон 2. Эпизод 3. Феномен «ВИА» в казахстанской музыке
Эпизод 3. Феномен «ВИА» в казахстанской музыке

Лекцию написал исследователь казахстанской музыки, сооснователь независимого музыкального объединения qazaq indie Руслан Якупов

Шестидесятые годы — время больших открытий в области звукозаписи и воспроизведения музыки, что сделало прослушивание музыки доступнее. В домах советских граждан появляются музыкальные проигрыватели, а у некоторых — первые телевизоры. Жанр популярной музыки набирает популярность, вокруг него формируется новая индустрия.

К концу 60-х по всему миру наблюдается расцвет молодежной поп-культуры — и особенно музыкальной. Одним из ярких примеров этого явления стала «битломания», или сильное увлечение группой Beatles.

Ливерпульская четверка навсегда вписала себя в историю, став первой группой, которая завоевала международную популярность. Молодые девушки и парни в СССР не стали исключением: они знакомятся с западной рок-музыкой, слушают ее и, вдохновленные ею, пытаются собирать собственные музыкальные коллективы. Давать свободу творчества молодежи не входило в планы Компартии, однако бороться со стихийным творчеством было трудно. Но, как говорится, «не можешь победить — возглавь». Так во второй половине XX века по всей стране начали создаваться вокально-инструментальные ансамбли, или сокращенно ВИА.

ВИА стали неотъемлемой частью советской эстрады. Они задумывались как аналоги западных рок-групп того времени, но формировались с учетом особенностей советской культуры, живущей в условиях цензуры. Цензура регулировала музыку и тексты, а также внешний вид и поведение артистов на сцене: не приветствовались раскрепощенные движения и танцы, не допускался яркий и, так сказать, вызывающий внешний вид.

Контролировались как профессиональные группы, так и ансамбли самодеятельности. Делать это было просто, ведь для того, чтобы выступать, каждый музыкальный коллектив должен был официально прикрепляться к той или иной организации и иметь художественного руководителя. Но, несмотря на строгую цензуру, музыкантам удавалось по-настоящему творить, создавать удивительные образцы музыки, которые интересны даже сейчас — спустя почти 60 лет. Кроме того, сами ВИА были очень разнообразны — как по масштабу, так и по своему стилю.

Упоминания о первых ВИА в КазССР датируются 1967 годом. В это время по всей республике проходили ежегодные музыкальные фестивали и конкурсы. Многие известные нам казахстанские ВИА нашли своего слушателя на ежегодном фестивале «Студенческая весна», проходившем в Алма-Ате.

Помимо конкурсов, многие музыканты-любители выступали на «танцах» и студенческих вечерах. Их репертуар состоял из обработок песен популярных в то время западных рок-групп и советской эстрады, но со временем стало появляться всё больше коллективов, пишущих и исполняющих свою музыку.

Многие из ансамблей того времени зародились в студенческой среде, а также при театрах, домах культуры, филармониях и других культурных институциях. Во-первых, у этих организаций была своя музыкальная техническая база, инструменты, площадки для репетиций и выступлений и, конечно же, поддержка комсомола и министерства культуры.

Каждый крупный вуз имел свой ансамбль. При Политехе был «Дос-Мукасан», при ЖенПИ — ВИА «Айгуль», у Сельхозинститута — ансамбль «Алтын Дән».

Одни, например «Дос-Мукасан», смогли завоевать народную любовь, вырасти из институтского актового зала до сцены Дворца Ленина, получить статус профессионального ВИА и начать полноценную музыкальную карьеру.

Другие, как ВИА «Айгуль», остались тесно связаны с вузом: его участницы — студентки музыкального факультета ЖенПИ — после окончания учебы и выступлений в «Айгуль» продолжали работу в альма-матер.

Несколько иные по масштабу вокально-инструментальные ансамбли «Гүлдер» и «Алматы әуендері».

Первый был частью одноименного Казахского республиканского молодежного эстрадного ансамбля. Он работал вместе с большим составом музыкантов и собственной танцевальной труппой. А второй был основан на базе областной филармонии Алма-Аты и объединял десятки артистов инструментальных и вокальных ансамблей.

Были в Казахстане и национальные ВИА. Самые яркие из них — эстрадный ансамбль «Ариран» и «Яшлык» — были образованы на базе национальных театров. Их музыканты создавали песни на стыке фолка и эстрадной музыки.

И совсем другой пример — ВИА «Арай». Уникальный случай, когда ансамбль был создан как аккомпанемент певице — и этой певицей была двадцатидвухлетняя Роза Рымбаева. Со временем участники «Арай» стали соавторами песен наравне с композиторами и поэтами, работавшими в то время с Розой Рымбаевой.

Важная составляющая развития музыкальной культуры и эстрады — запись, издание и дистрибуция музыки. В 1972 году единственный музыкальный лейбл в СССР «Мелодия» открывает филиал в Алма-Ате. С этого момента в КазССР активно начинают записывать и издавать музыку, в том числе эстрадных исполнителей и вокально-инструментальных ансамблей.

Конечно, возможность издаваться на грампластинках получили наиболее популярные ВИА. Музыка других ВИА звучала только на областном радио и телевидении. Так было, например, с ВИА «Қаракөз», однако их музыка настолько полюбилась слушателям, что ушла в народ и распространилась благодаря поклонникам творчества ВИА, которые самостоятельно записывали их выступления на домашние магнитофоны, а после — переписывали на носители.

К слову о гибких пластинках. Важный вклад в популяризацию многих ВИА внес журнал «Кругозор», издававшийся с 1964 по 1992 годы. В журнале, помимо прочего, писали о музыкальных новинках со всего мира. Он продавался вместе с гибкими пластинками, на которых были записаны музыкальные подборки. Именно в «Кругозоре» в 1972 году вышли первые записи ВИА «Дос-Мукасан» и ВИА «Айгуль», которые сопровождались комментариями Бибигуль Тулегеновой.

В 70-х активно развивалось телевидение, на экраны выходили музыкальные телепрограммы и фильмы. Одни из них — фильмы про «Дос-Мукасан» и «Айгуль», а также телепостановка по мотивам песен ВИА «Яшлык». Кроме того, большая популярность пришла к группам, попавшим в эфир всесоюзных телепередач вроде «Утренней почты».

О «Дос-Мукасан» и «Арай» мы еще расскажем в следующих эпизодах этого сезона, а пока остановимся и подробнее поговорим о других, не менее важных для музыкальной культуры Казахстана, ВИА.

В 1968 году в Женском педагогическом институте под руководством педагога и композитора Марата Балтабаева образован ВИА «Айгуль», который стал первым женским ВИА в СССР. Во многих источниках упоминалось, что идея собрать полностью женский состав пришла Марату Балтабаеву после просмотра фильма 1959 года «В джазе только девушки» режиссера Билли Уайлдера. Но всё началось чуть прозаичнее — с предложения открыть в ЖенПИ музыкальный факультет, куда бы поступали девушки со всей республики. Деканом факультета стал Марат Балтабаев — выпускник Киевского музыкального училища и Московского государственного института культуры. Балтабаев был участником молодежного движения «Жас тұлпар». Он хотел поддержать талантливую молодежь из регионов и аулов, и продвигать казахский на эстраде.

На репертуар и звучание ВИА «Айгуль» повлияла дружба Марата Балтабаева с известным музыкантом и исследователем казахских традиционных инструментов Болатом Сарыбаевым. Ансамбль одним из первых использовал традиционные инструменты в аранжировках эстрадных песен. Считается, что его участники первыми ввели в практику электродомбру. Особое звучание песням ансамбля придавал синтез современных и традиционных инструментов, например электрооргана и домбры, как в «Ақ-сиса» на альбоме ансамбля 1974 года: https://youtu.be/yHVng_aMGVQ?t=459.

ВИА «Айгуль» впервые аранжировали и исполнили народную песню «Гулдерайым»: https://youtu.be/yHVng_aMGVQ.

А также переложили песню «Бипыл» на электрогитару и электроорган: https://youtu.be/Vv20RGagFfw?t=289.

Кроме того, в репертуар ансамбля входили песни казахских композиторов, советской эстрады, а также музыка разных народов, которые часто исполняли в заграничных поездках. За время активной работы ВИА выступали на многих международных фестивалях: в Польше, Японии, Франции и других странах.

Состав ансамбля постепенно менялся. Часто после окончания института участниц заменяли первокурсницы. У многих со временем не было возможности совмещать участие в ансамбле с работой и семьей, и ВИА прекратил активность в восьмидесятых. Тем не менее ВИА «Айгуль» внес большой вклад в казахскую музыкальную культуру. Именно успех молодых студенток из казахских аулов вдохновил на создание других женских групп по всему СССР.

Особое место в становлении казахской эстрады сыграл ВИА при ансамбле «Гүлдер». «Гүлдер» — первый эстрадный ансамбль КазССР, работавший, как мы уже упоминали, и с танцевальной, и с музыкальной формой искусства. Он стал стартовой площадкой для многих известных эстрадных исполнителей: здесь получили первый опыт и заслужили признание Роза Рымбаева, Сара Тыныштыгулова, Кайрат Байбосынов, Айжан Нурмагамбетова, Макпал Жунусова, Нагима Ескалиева и многие другие.

Первую часть программы ансамбля обычно составляли традиционные песни, кюи, айтысы и национальные танцы. Во второй части артисты исполняли произведения казахских и советских композиторов — Байтерекова, Дуйсекеева, Тлендиева, Бабаджаняна, Мовсесяна, Пахмутовой, Тухманова, Ермишева, а также обработки песен зарубежной эстрады.

В работе «Гүлдер» участвовали многие композиторы, исполнители и ансамбли. Например, инструментальный ансамбль «Ритмы Медео» под управлением Владимира Львовского, Инструментальный ансамбль Евгения Журкина, Эстрадно-симфонический оркестр Казахского телевидения и радио под управлением Александра Гурьянова.

Среди записей ВИА «Гүлдер» хочется выделить композицию Жанботы Туякбаева на слова Шомишбая Сариева — «Вера», которую исполнила Макпал Жунусова. В ней объединились мелодизм казахской фолк-музыки и звучание рок- и поп-музыки того времени. Песня «Вера» вошла в полноформатный альбом 1985 года. https://youtu.be/BZnRcTx0PPQ?t=754

В 1973-м на базе Алматинской областной филармонии имени Суюнбая был создан ВИА «Алматы ауендери», или «Мелодии Алма-Аты». Первым руководителем и композитором ВИА стал Рамазан Елибаев. Среди сохранившихся записей ВИА «Алматы ауендери» выделим абсолютный эстрадный хит — песню «Жаным-ау», написанную Елибаевым: https://youtu.be/HUmcj3Oi2R8?t=1343.

Про следующий ансамбль значительно меньше написано и сказано, но их песни нашли своего слушателя и, что называется, «ушли в народ». Руководителем и основным автором песен ВИА «Қаракөз» был известный композитор Жақсыкелді Сейілов. Вся жизнь ансамбля прошла в их родном городе Жезказгане. Впервые они заявили о себе, приняв участие в региональных конкурсах и записи на областном телевидении и радио. Музыка «Қаракөз» распространялась по стране благодаря энтузиастам, которые записывали их выступления на магнитофоны и позже распространяли переписанные копии на бобинах и гибких грампластинках — их было принято дарить в специальных подарочных открытках. Официально музыка ВИА не издавалась. Сам же ансамбль продолжал активно работать в родном городе.

Из их репертуара особенно хочется выделить песню «Кездесу», благодаря которой автор этой лекции Руслан Якупов узнал об ансамбле. Старшее поколение рассказывало о том, что эта песня была популярна в 70-х среди влюбленных и её любили перепевать под гитару:
https://www.youtube.com/watch?v=wfO09wOdjTo

Редкая запись сольного исполнения песни автором Жақсыкелді Сейіловом: https://youtu.be/TSLvoH8LadM.

В первом сезоне мы рассказывали про музыку этносов, депортированных в Казахстан, и, говоря о формировании поп-музыки, нельзя не упомянуть о вкладе национальных ВИА. Наиболее известные из них — и чьи записи нам удалось найти — это ВИА «Яшлик» и эстрадный ансамбль «Ариран».

Ансамбль создан при Корейском театре музыкальной комедии в Алма-Ате в 1968 году. Помимо музыки, в ансамбле была драматическая труппа, которая ставила спектакли на основе корейских эпосов.

Позже был создан музыкальный ансамбль, куда входил эстрадный оркестр под руководством известного джазового композитора Эдуарда Богушевского. Также на базе корейского театра под его руководством был образован первый в республике джазовый биг-бенд. Вторым дирижером был Яков Хан, который впоследствии возглавил республиканский биг-бенд.

«Руководство театра заинтересовалось идеей трансформации корейского фольклора «под джаз». Репертуар был выстроен так: 60% — корейские песни и танцы, 35% — советские эстрадные песни и 15% — джаз».

Среди доступных сегодня записей хочется выделить песню «Вернись»: https://www.youtube.com/watch?v=-n8ddQzZmf0.

Первый уйгурский эстрадный ансамбль «Яшлик», что в переводе с уйгурского означает «молодость», был основан в Алма-Ате в 1973 году на базе Уйгурского театра. Первым руководителем ансамбля был музыкант Мурат Ахмадиев — отец певицы Дильназ Ахмадиевой. Целью ансамбля стало прославление уйгурской культуры.

В первый состав «Яшлик» вошли Марат Маметбакиев, Ялкунжан Шамиев, Гульбахар Ахмадиева, Кутлук Геняков.

Среди записей первого состава особенно выделяется альбом «Ачил» 1983 года, который был переиздан «Мелодией» в 2022 году. По его мотивам была даже снята телепостановка: https://disk.yandex.kz/i/Wy9zDLr1qOkUZA.

В альбоме «Ачил» мы слышим как современные аранжировки уйгурских традиционных песен на стыке психоделик-рока и фанка, так и песни, написанные советскими композиторами. На этой пластинке особенно хочется выделить песню «Если б я знал», написанную Ялкунжаном Шамиевым и Акрамом Ахметовым: https://youtu.be/rg3JW6qwDtQ?t=304. Наравне с «Сағындым сені» это одна из самых трогательных баллад того времени.

А еще — шутливую уйгурскую народную песню «Любимая говорит, что я плохой» за ее фанковый ритм бас-гитары, задорную уйгурскую перкуссию, духовые и психоделик-рок перегруженной гитары: https://youtu.be/8d2p-3cEktU?list=PLKOx8FMNgTkqqJfUD8Fimpv6lkjysvYFx.

Позже был собран второй состав (https://youtu.be/MlLdVRkF7Q0), звучание которого сместилось в более фолковое направление. Уже в 90-х ансамбль «Яшлик» поменял формат и стал известен как поп-группа, участниками которого стали дети музыкантов первого состава ВИА.

Музыка вокально-инструментальных ансамблей — это важная и неотъемлемая часть нашей культуры. Этот пласт музыкальной культуры во многом недооценен и заслуживает особого внимания и исследования. Произведения ВИА и сам формат заложили основу будущей казахской и казахстанской эстрады, стали площадкой для экспериментов с формой и звуком, своеобразным мостом между традиционной и поп-музыкой, а также способствовали открытию новых имен.

Интересна каждая деталь. Как, например, взаимодействие эстрады, традиционной и академической среды. Или вклад академических и джазовых композиторов: например, Эдуард Богушевский, долгое время основной композитор ансамбля «Ариран», работал на стыке эстрады, джаза и традиционной корейской музыки.

В то же время часто недооценена работа самих музыкантов и аранжировщиков ансамблей. Благодаря их видению новую жизнь получили многие песни. Так, известная всеми «Сағындым сені», написанная композитором Ескендиром Хасангалиевым на слова поэта Бакира Тажибаева, благодаря аранжировке Мурата Кусаинова получила абсолютно новое звучание и нового слушателя.

И конечно, неоценима роль музыки ВИА в сохранении и развитии традиционной музыки и шире — казахского языка. ВИА «Айгуль» одними из первых использовали в своих аранжировках электродомбру. А «Дос-Мукасан» первыми аранжировали многие традиционные казахские композиции под эстрадную музыку с использованием электрогитары и синтезатора.

Хочется отдельно отметить особое звучание песен ВИА. Из-за дефицита использовали советские инструменты, которые придали песням характерный саунд. Сейчас у этого звучания есть поклонники по всему миру, это так называемый феномен совиет вейва/sovietwave. Впрочем, самым успешным вроде «Дос-Мукасан» позже заказывали «фирменные» западные инструменты.

Для молодого поколения, как и для современной казахстанской поп-культуры, музыка и образы ВИА являются связующим звеном с прошлым.

Мы видим интерес к наследию ВИА: например, композиция «Бетпак дала» «Дос-Мукасан» звучала в фильме Адильхана Ержанова «Бой Атбая». В 2022 году в кинотеатрах с большим успехом прошел байопик про «Дос-Мукасан». Причем на сеансы ходили как старшее поколение, еще молодыми посещавшие концерты молодой группы, так и их дети и внуки. А рэпер Айдын Нуралин, выступающий под псевдонимом «масло черного тмина», использовал семпл из песни «Сағындым сені» в композиции sagyndym.

Музыка ВИА жива, интересна и актуальна. И в будущем эпизоде мы поговорим про феномен самого популярного ВИА.

Плейлист любимых песен казахстанских ВИА от Руслана Якупова:

ВИА «Қаракөз» — Кездесу (муз.: Ж. Сейілов, слова: Т. Молдагалиев)

ВИА «Алматы ауендери» — Жанарым (Е. Хасангалиев, Б. Тажибаев)

ВИА «Алматы ауендери» — Жаным-ау (Р. Елебаева)

ВИА «Гүлдер» — Вера (вокал: Макпал Жунусова), (Ж. Туякбаев, Ш. Сариев)

Эстрадный ансамбль «Ариран» — Вернись (Э. Богушевский, Ен Сен)

Эстрадный ансамбль «Ариран» — Спросите у звезд (корейская народная песня)

ВИА «Айгуль» — Бипыл

ВИА «Айгуль» — Гульдерайым

ВИА «Айгуль» — Су тасушы кыздын ани (Б. Байкадамов, Н. Шакенов)

ВИА «Айгуль» — Ак сиса (Жаяу Муса, слова народные)

ВИА «Айгуль» — Жайлауым бакша жайнаган (Л. Хамиди, Н. Баймухамедов), (солистка Г. Карамолдаева)

ВИА «Дос-Мукасан» — Карангы тунде тау калгып (Абай, обработка М. Кусаинова и Б. Джумадилова)

ВИА «Яшлик» — Любимая говорит, что я плохой (уйгурская народная песня)

ВИА «Яшлик» — Если б я знал (Я. Шамиев, А. Ахметов)

ВИА «Дос-Мукасан» — Сағындым сені (Е. Хасанғалиев, Б. Тәжібаев)

ВИА «Дос-Мукасан» — Бетпак дала (М. Кусаинов)
Сезон 2. Эпизод 4. Рождение легенды «Дос-Мұқасан». Знаменитый ансамбль сквозь время.
1960-е годы — важное для истории казахского искусства время. Давление на национальное самосознание уменьшилось, и казахские музыкант_ки могли поднимать вопросы идентичности в своих работах.

Не исключением стал легендарный ансамбль "Дос-Мұқасан", о котором мы говорим в четвёртом эпизоде BAYSA. Вдохновлённые такими группами, как The Beatles, Rolling Stones, Deep Purple, ансамбль интерпретировал народные казахские песни на новый лад. Используя элементы казахского фольклора и экспериментируя с джазом, блюзом, роком, и даже психоделикой, "Дос-Мұқасан" стал первооткрывателями казахского фолк-рока.

И хоть "Дос-Мұқасан" и называют советским термином ВИА, это настоящая казахская фолк-рок-группа.

Лекцию написал искусствовед Молдияр Ергебеков.


В первые годы существования Советского Союза и вплоть до смерти Сталина в 1953 году традиционная казахская культура маркировалась как фольклор, а сущность казахского бытия рассматривалась через призму советского социализма. Те же, кто выступали против этого дискурса, подверглись репрессиям, пережить которые удалось лишь немногим.

Давление на национальное самосознание в хрущевский период уменьшилось, что привело к возрождению антиколониальных дискурсов в казахском искусстве.

В Казахстане западное музыкальное искусство начало активно развиваться в 30-е годы XX века с оперы. Евгений Брусиловский, Ахмет Жубанов, Латиф Хамиди, Мукан Тулебаев стали основателями академической казахской музыки и заложили основы полифонии в Казахстане. Для создания первых оперных и оркестровых произведений они взяли за основу богатый фольклор, сохраняя таким образом наследие казахских профессиональных певцов и инструменталистов, народные песни. Плоды их работы были хорошо приняты и полюбились слушателями, став частью повседневной жизни общества с помощью радиовещания.

Уже во второй половине прошлого века политика СССР в вопросах культуры способствовала развитию в союзных республиках жанров массовой музыки и появлению композиторов, которые в 60-х и 70-х писали произведения в песенной форме.

1960-е годы — важное для истории казахского искусства время. Не будет преувеличением сказать, что казахское искусство этих лет возродило нацию, и хрущевская оттепель стала для него эпохой «возвращения вытесненного». В первые годы существования Советского Союза и вплоть до смерти Сталина в 1953 году традиционная казахская культура маркировалась как фольклор, а сущность казахского бытия рассматривалась через призму советского социализма. Те же, кто выступали против этого дискурса, подверглись репрессиям, пережить которые удалось лишь немногим.

Давление на национальное самосознание в хрущевский период уменьшилось, что привело к возрождению антиколониальных дискурсов в казахском искусстве. Так, в 1956 году композитор Шәмші Қалдаяқов и поэт Жұмекен Нәжімеденов — оба тогда еще совсем юноши — написали патриотическую песню «Менің Қазақстаным» как реакцию на идею передать северные земли Казахстана России. В 1966 году на экраны вышел фильм Шәкен Айманова «Атамекен», или «Земля отцов», как бы вскользь задающий зрителям вопрос, что такое родина. В конце 60-х годов увидела свет трилогия Ильяса Есенберлина «Кочевники», рассказывающая историю Казахского ханства. В то же время несколько казахских студентов московских вузов, среди которых были Мурат Ауезов, Сабетказы Акатаев, Болатхан Тайжан, Макаш Тәтім, Мурат Гылманов, Болат Каракулов, Асия Мухамбетова, основали в столице Советов антиколониальную молодежную организацию «Жас тұлпар» — ее можно назвать первым казахским студенческим движением.

В то же время на Западе тоже происходили серьезные трансформационные процессы. Травмы, нанесенные Второй мировой войной Европе и Америке, привели к появлению студенческих движений, противостоящих войне. Молодые люди, особенно хиппи, использовали музыку как способ выразить реакцию на политику влиятельных государств. Лозунг «Make Love, Not War» стал главным для движения хиппи в борьбе против Вьетнамской войны в 1960-х годах.

Именно в эти годы возрождения национального самосознания и идентичности в Казахстане и становления молодежного антивоенного движения на Западе появился вокально-инструментальный ансамбль «Дос-Мұқасан», о котором пойдет речь в этом эпизоде.

Итак, в 1967 году группа студентов Политеха собрали свой ВИА, который назвали «Дос-Мұқасан» — по первым буквам имен исполнителей, входивших в первоначальный состав:

«Дос» — по имени Досыма Сулеева;

«Мұ» — по имени Мурата Кусаинова;

«Қа» — по имени Қамита Шанбаева;

и наконец, «Сан» — по имени Александра Литвинова. Также в некоторых источниках «Сан» указывает на Санбека Молдабекова.

Путь развития западной популярной музыки важен для понимания истории «Дос-Мұқасан». Основатели ансамбля, еще будучи студентами Казахского политехнического института, заслушивались рок-музыкой, которую удавалось поймать на радиоволнах «Голоса Америки» — оно хоть и не было официально запрещено в Советском Союзе, всё же считалось неприемлемым с точки зрения идеологии. Это были песни The Beatles, Rolling Stones, Deep Purple и других групп.

В 1960-е годы Алматы был максимально русифицированным городом. Несмотря на это, участники «Дос-Мұқасан» решили петь на казахском языке. Экспериментируя с современным звучанием и доходившими до них с Запада такими музыкальными жанрами, как джаз, блюз и рок, они создали альтернативу эстраде, используя элементы казахского фольклора. И хоть «Дос-Мұқасан» часто описывают советским термином ВИА, это была настоящая казахская фолк-рок-группа.

С момента своего создания ансамбль «Дос-Мұқасан» быстро завоевал популярность, особенно среди молодежи, а их песни стали хитами. Спустя год после создания группа поехала на гастроли по всему Казахстану.

Хотя изначально «Дос-Мұқасан» создали мужчины, через некоторое время в группе появились солистки, и ВИА избежал участи быть исключительно мужским коллективом. В течение первых полутора лет своего существования «Дос-Мұқасан» состоял только из мужчин, часто исполняя свои песни двумя или четырьмя голосами. К концу 1968 года к ансамблю присоединилась Құрманай Омарова, став его первой солисткой. Позже здесь появилась новая солистка Дарига Турсынова и бэк-вокалистка Тасхан Нарбаева. Это отличает «Дос-Мұқасан» от многих рок-групп западной сцены. Как отмечают исследователи истории рок-музыки Саймон Рейнольдс и Джой Пресс, для многих рок-групп того времени были характерны мизогиния и дискриминация женщин.

В репертуаре ВИА были как написанные самими участниками песни, так и произведения других композиторов, народные песни.

В группе музыку писали Досым Сулеев, Мурат Кусаинов, Мейирбек Молдабеков, а тексты — Улыкпан Сыдыков и Бакытжан Жумадилов.

Улыкпан Садыков и Досым Сулеев вместе написали два абсолютных хита: «Ғашықпын» и «Той жыры», по-прежнему популярные в Казахстане. Кроме них, Садыков написал слова на музыку Мурата Кусаинова в песнях «Әсем жұлдыз», «Қуанышым менің» и «Бойжеткен».

На русском языке тексты писал Бакытжан Жумадилов, в частности, к музыке Досыма Сүлеева в песне «Это ты», к музыке Мурата Кусаинова в песне «Ты моя мечта» и к музыке Мейирбека Молдабекова в песне «Қайдасың». Ансамбль также работал с такими поэтами, как Мухтар Шаханов, Туманбай Молдагалиев и Гафу Кайырбеков.

Другой важный творческий тандем связывает «Дос-Мұқасан» с композиторами Нургисой Тилендиевым и Ескендиром Хасангалиевым, оставившими важный след в истории казахского музыкального искусства. «Алатау» Тилендиева, исполненная коллективом, оставалась хитом вплоть до середины 1990-х годов, а песня «Сағындым сені» Хасангалиева в исполнении Құрманай Омаровой стала гимном любви для нескольких поколений. Другая песня Нургисы Тилендиева «Куә бол» на слова Туманбая Молдагалиева в исполнении Мурата Кусаинова тоже снискала всеобщую популярность у слушателей.

В репертуаре ансамбля интересны интерпретации народных песен, с помощью которых «Дос-Мұқасан» транслировал эстетические и моральные ценности. Именно они первыми адаптировали под популярную музыку народные песни «Жайдарман», «Құдаша», «Ауылың сенің іргелі», «Назқоңыр», «Ләйлім-шырақ», «Ахау бикем». С одной стороны, музыканты раскрывали молодежи атмосферу национальной музыки, с другой — становились проводниками для более глубокого понимания тем и мотивов этой музыки.

Помимо народных песен, группа заново открыла для многих слушателей песни Абая, Жаяу Мусы и других, интерпретируя их в жанрах фолк-рока и джаза. В их прочтении «Қарлығаш» Ахмета Жубанова, «Шофер келді қырманға» Садыка Мухамеджанова и «Жыр жазамын жүрегімнен» Газизы Жубановой зазвучали как фолк-рок-пьесы.

Собственно инструментальная композиция «Қарлығаш», обычно исполняемая под аккомпанемент оркестра классической музыки, в исполнении «Дос-Мұқасан» звучит быстрее, а вместе с испанскими мотивами, напоминающими мотивы казахского кюя токпе, переносит слушателя в совершенно другой мир — здесь словно устанавливается диалог между восточной и западной народной музыкой.

Хотя ВИА основали любители и музыканты-самоучки, его вклад в казахское искусство сложно переоценить. Участники ансамбля, прекрасно понимающие сердцебиение общества, стремились, с одной стороны, поднять настроение людям, а с другой — сформировать у народа художественный вкус. Наряду с легкими и запоминающимися песнями «Той жыры», «Қайдасың», «16 қыз», ансамбль писал и другие композиции — с более сложной структурой, требующие широкого вокального диапазона и музыкального мастерства. Одна из таких песен — это написанная Муратом Кусаиновым композиция «Бетбақдала». Она, словно казахский кюй, является образцом уникального и неповторимого искусства, не требующего лишних слов. Можно сказать, что это казахский кюй в стиле психоделик-рока. В этом произведении 1976 года бас- и электрогитара гармонично сочетаются со звуком кобыза и домбры, позволяя раскрыть взаимодействие космоса и хаоса, традиций и модерна, естественности и искусственности. Это произведение оказало значительное влияние на музыкантов и меломанов, найдя отражение в казахской электро-, джаз-, рок- и поп-музыке 1980-х годов. Благодаря ему мы можем узнать почерк Мурата Кусаинова как аранжировщика в записях «Қараңғы түнде тау қалғып» Абая, «Қарлығаш» Ахмета Жубанова, «Жыр жазамын жүрегімнен» Газизы Жубановой.

Помимо композиторов и авторов песен, которые прославили «Дос-Мұқасан», значительную роль в группе играли и певцы. Особенно заметным был вклад Құрманай Омаровой, Дариги Турсыновой и Бакытжана Жумадилова — их голоса стали частью идентичности ВИА.

За годы своего существования состав «Дос-Мұқасан» неоднократно менялся, но каждый его участник привносил важную частицу себя, чтобы музыка была качественной, а ансамбль процветал. Хамит Санбаев, Александр Литвинов, Сагадильда Хасенов, Юрий Лим, Усмадияр Маканов, Шарип Омаров, Тасхан Нарбаева, Алтынбек Умбетов, Нуртас Кусаинов, Николай Буктіков, Елшибек Жакашев, Турсын Салибаев и Акжол Мейирбеков внесли свой вклад в создание уникального музыкального коллектива, а после — участвовали в формировании музыкальной индустрии независимого Казахстана.

Сейчас ВИА продолжает свою творческую деятельность. Мурат Кусаинов, один из участников первого состава, руководит современным «Дос-Мұқасан», которой спустя почти 60 лет остается популярным среди слушателей, в первую очередь благодаря культовым песням, записанным в 60–70-е годы.

Ансамбль, вдохновленный поиском казахской идентичности в далеких 60-х, стал настоящим феноменом в истории казахской популярной музыки. В политической и культурной атмосфере оттепели участники и участницы «Дос-Мұқасан» формировали свой уникальный образ и звучание, уделяя большое внимание тому, чтобы их музыка была настоящим произведением искусства, соответствующим духу времени. Впитав в себя классику, фольклор, рок и джаз, не разделяя людей на горожан и сельчан, мужчин и женщин, высший и низший класс, молодых и старых, они создали великую музыку, которая доступна каждому. Всё это сделало «Дос-Мұқасан» ориентиром уже для современных казахских групп в создании качественной музыки.
Сезон 2. Эпизод 5. Пять историй о Розе Рымбаевой
Пять историй о Розе Рымбаевой

Когда речь заходит о казахстанской эстраде, одним из первых на ум приходит имя народной артистки Казахстана Розы Рымбаевой. Ее звезда зажглась в юном возрасте и продолжает ярко сиять на протяжении вот уже почти пятидесяти лет. В этом эпизоде в пяти историях рассказываем о том, как девушка из небольшого аула покорила большую сцену в Казахстане и не только.

История первая. Детство и ранние годы

Итак, Роза Рымбаева родилась 28 октября 1957 года на железнодорожной станции Жангизтобе Семипалатинской, а ныне Абайской области. Ее отец Куаныш работал на железной дороге, мать Айту занималась воспитанием восьмерых детей и ведением домашнего хозяйства.

Девочка была одарена сильнейшим голосом. С ранних лет Роза любила петь, но ее мало интересовали детские песни — больше всего ей нравились сложные композиции, в которых было где развернуться ее таланту. Кумирами у юного дарования были Робертино Лоретти, Кола Бельды и Галина Ненашева. А еще — старший брат, который занимался музыкой. И конечно, Роза мечтала сама стать профессиональной певицей, выступать на большой сцене.

Оттого что станция Жангизтобе была небольшой и находилась далеко от города, Роза училась в интернате, в Семее. Там же она посещала музыкальную школу и участвовала в самодеятельности, выступая на городских концертах и конкурсах.

В 1975 году Роза покорила жюри республиканского конкурса самодеятельности в Алма-Ате, посвященного 30-летию Победы в Великой Отечественной войне. Там она исполнила песню «Снег седины». Было удивительно, что юная девушка — на тот момент Розе Рымбаевой было 18 лет — может петь так уверенно и экспрессивно, а голос может быть настолько сильным и наполненным. На этом концерте ее впервые увидел руководитель республиканского молодежного эстрадного ансамбля «Гүлдер» Таскын Окапов, который впоследствии стал верным спутником и надежным супругом нашей героини.

История вторая. Любовь на всю жизнь

На том судьбоносном конкурсе, когда Таскын Окапов впервые увидел Розу, он попал в кадр оператора, снимавшего зал. Камера задержалась на нем надолго, возможно потому, что он слушал исполнение очень внимательно, с интересом. После концерта Таскын предложил кандидатуру Розы Рымбаевой на роль солистки ансамбля «Гүлдер», чтобы получить для молодой певицы из Семея приглашение на работу в столицу. Эту идею в ансамбле поддержали. Так будущие супруги и познакомились.

Таскын Окапов — талантливый и высокопрофессиональный музыкант. Образование он получил в Гнесинке — одном из самых престижных учебных заведений СССР, дававших музыкальное образование. После окончания музыкального училища ему предложили продолжить обучение уже в аспирантуре, но науке он предпочел творческую деятельность.

В одном из интервью Таскын вспоминал, что, увидев Розу и услышав, как она поет, был поражен возможностями голоса. В шутку он говорил, что ее голос такой широкий и звонкий потому, что она родилась в степях — там ее должно было быть слышно за много километров вокруг. Правда в его словах всё же есть: в казахской песенной традиционной культуре сила голоса певцов нередко характеризовалась по пространственным параметрам. Это было своего рода подтверждением таланта исполнителя.

В свою очередь, в одном из интервью Роза Рымбаева говорила, что Таскын многому ее научил. По ее признанию, для 18-летней девушки, приехавшей в столицу, выступать с оркестром, петь на большой сцене и ездить на гастроли было нелегким делом. Но она точно знала, что нужно петь сердцем и душой, быть настоящей перед слушателями, отдаваться песне. Этому принципу она верна и по сей день.

По совету Таскына, Роза Рымбаева поступила в театрально-художественный институт, который в 1977 году отделился от Консерватории и стал самостоятельным учебным заведением со своим зданием. Ныне это Академия искусств имени Жургенова. Роза Куанышевна поступила на факультет, который готовил актеров музыкальной драмы, комедии и кино. Там она научилась танцам, актерскому мастерству, пластике. Это было очень актуально для эстрадных исполнителей, ведь большая сцена требовала разносторонней подготовки.

Первый крупный успех пришел к ней довольно рано, уже в 20 лет. В 1977 году она приняла участие во Всесоюзном телевизионном конкурсе «С песней по жизни», на котором исполнила песню «Алия», посвященную Алие Молдагуловой. На этом конкурсе «Алия» была номинирована на «Лучшую песню года». С этого момента началось ее триумфальное шествие, которое продолжилось на международном фестивале «Золотой Орфей» в Болгарии, где Роза Рымбаева получила Гран-при. В Казахстане ее победа стала событием и большой радостью, а песня «Алия» — хитом, бесценным шедевром и нематериальным памятником Казахстана.

Это был тот редкий случай в истории советской эстрады, когда произведение не на русском языке получило всесоюзную славу. Песню «Алия» включили в шестой выпуск журнала «Кругозор», который был своеобразной звуковой летописью тех лет.

В 1978 году читателями газеты «Московский комсомолец» Роза Рымбаева была признана лучшей певицей года. Чтобы оценить масштаб популярности певицы, можно провести параллель с тем, как популярен сегодня Димаш Кудайберген.

Первая грампластинка Розы Рымбаевой была издана всесоюзной фирмой грамзаписи «Мелодия» в 1978 году. На нее попали песни «Верю я», «Детство», «Снег седины», «Поэзия». В советский период творчества Роза Рымбаева работала с одними из лучших композиторов своего времени — Арно Бабаджаняном, Алексеем Мажуковым, Давидом Тухмановым, Александрой Пахмутовой и другими. Некоторые песни были написаны специально для нее. Колоссальные голосовые возможности Розы Рымбаевой, позволяющие использовать широкий диапазон мелодических и выразительных средств музыкального языка, давали композиторам большую свободу — и они выходили за рамки обычного, массового песнетворчества. Поэт — композитор — артист, находясь в тесном взаимодействии триединства, создавали произведения поистине высокого искусства, органично сочетая музыкальное, поэтическое и исполнительское мастерство.

История третья. Первый и второй составы ансамбля «Арай»

В 1979 году Таскын Окапов предложил создать ансамбль «Арай». Единственным его условием было назначение Розы Рымбаевой солисткой. Это условие было принято, и «Арай» по большей части выполнял аккомпанирующую функцию, а главенствующая роль принадлежала исполнительнице.

Слово «арай» с казахского языка переводится как «утренняя заря», а точнее, оно обозначает красивое атмосферное световое явление, появляющееся в утреннее или вечернее время, перед тем как солнце восходит или заходит. Его другое значение — «выдержка», «спокойствие», «самообладание». Название ансамбля весьма ему соответствовало: едва появившись на эстраде, он сразу же стал ярким звуковым явлением и очень скоро получил известность и любовь слушателей.

Сама Роза Куанышевна однажды назвала«Арай» альма-матер современной казахстанской эстрады. И с этим сложно не согласиться. Через своеобразную школу Окапова прошли музыканты ансамбля «Гүлдер» и «Арай», которые в дальнейшем стали известны не только в Казахстане, но и за рубежом. Окапову удалось вывести коллектив на международную сцену, где музыканты представляли казахское музыкальное искусство на самых престижных концертных площадках мира. Выезжали они по разрешению руководства страны — наверху не сомневались в их таланте и профессионализме.

У ансамбля было два четко очерченных этапа развития. Первый — с 1979-го по 1982 год, второй — с 1982-го по 1987 год. Во времена первого этапа в ансамбле играли талантливые клавишник Байгали Серкебаев и гитарист Болат Сыздыков. Помимо них, в первом составе были знаменитые в музыкальных кругах братья Тахир и Фархад Ибрагимовы и Яков Хан.

Высокий уровень исполнительского мастерства «Арай» несомненно находился в тесной взаимосвязи с видением его художественного руководителя, главного дирижера и композитора, который определял магистральные пути развития коллектива — Таскына Окапова. Он выполнял роль генератора музыкальных идей, был сердцем ансамбля. По воспоминаниям коллег, Окапов был талантливым дирижером, делал прекрасные аранжировки для симфонического оркестра и умело им управлял. По взмаху его дирижерской палочки музыканты играли слаженно и четко.

Таскын Окапов дал новое, современное звучание казахским народным песням. Нотируя и делая переложения, он делал их ярче, острее, динамичнее, пронзительнее. Так было с песнями «Алия», «Атамекен», «Наурыз думан».

Когда в 1982 году ансамбль распался, по предложению Розы Рымбаевой был собран новый состав под прежним названием, во главе с Байгали Серкебаевым. В новый коллектив вошли гитарист первого состава Булат Сыздыков, Владимир Миклошич, игравший на бас-гитаре, вокалист Наджиб Вильданов, Батырхан Шукенов, игравший на саксофоне и духовых, и барабанщик Сагнай Абдуллин.

«Арай», помимо выполнения аккомпанирующей функции, работал над собственной инструментальной программой, которую они играли на концертах. Музыканты имели полную свободу творчества и хорошее музыкальное оборудование. Эти две составляющие стали базой для их дальнейших экспериментов со звуком и стилями. Музыканты занялись написанием песен. Их попытки соединить фольклор с современными формами и средствами художественной выразительности дали хорошие плоды, а Роза Рымбаева впоследствии раскрылась как джаз-роковая певица. Участники коллектива старались сочетать особенности казахского мелоса с гармоническим джазовым разнообразием и ритмичной динамикой рока, акцентируя внимание на инструментальной части произведений, где каждый исполнитель мог дать волю свободе творчества и импровизировать.

В 1987 году ансамбль распался, прекратив совместную деятельность с Рымбаевой как аккомпанирующий коллектив, а через некоторое время вновь собрался уже в качестве самостоятельной группы «Алмата студио».

Оценивая период творчества Розы Рымбаевой в ансамбле «Арай», мы можем сказать, что он стал вехой в становлении и развитии как самой певицы, так и музыкантов группы. И руководитель, и певица, и музыканты помогли друг другу раскрыть уникальный творческий потенциал, завоевать любовь слушателей по всей стране и оставить неизгладимый след в истории отечественного эстрадного искусства.

История четвертая. Честно по жизни

Роза Рымбаева на протяжении всей карьеры неоднократно давала благотворительные концерты и делала пожертвования, в том числе и на развитие родного Семея. С родной землей связано и ее творчество. Одна из ярких песен в ее репертуаре — песня Толегена Мухамеджанова «Заман-ай», рефлексирующая о страданиях людей, пострадавших от ядерных испытаний на Семипалатинском полигоне, которая стала гимном антиядерного движения.

В рамках мероприятий, посвященных 40-летию творческой деятельности, Рымбаева с командой организовала масштабный гастрольный тур по Казахстану с концертной программой «Я верю в будущее». В этом туре она на автобусе добиралась в отдаленные аулы, чтобы выступить перед слушателями.

Сама артистка вспомнила случай, когда ее самолет в Китай, куда она летела на концерт, сильно задержали. В итоге он начался с опозданием на четыре часа, и вместо запланированных семи часов вечера Роза Рымбаева вышла на сцену в 11 ночи. И всё это время зрители находились в зале и не расходились. На концертную площадку она ехала в гололед, сквозь снег. «Я приехала, вышла из машины, на ходу стягивая куртку, сразу пошла на сцену. В чем была — без грима, без концертного платья, в джинсах. И я им говорю: „Ну вы же знаете, я пою уже 40 лет, как минимум 400 платьев у меня точно было!" Они смеются. А я смотрю на людей сквозь слезы: столько терпения и любви. Какое уж тут платье. Я всегда выбирала сцену…» — так она вспоминала это выступление. Честность перед зрителем и верность своему ремеслу всегда отличали Розу Рымбаеву, чья репутация как артистки и человека не вызывает вопросов.

История пятая. За что мы любим Розу Рымбаеву

Вторая половина двадцатого столетия характеризуется развитием многих музыкальных жанров в Казахстане, в том числе эстрадной музыки, а особенно песни. И это, несомненно, было удачным временем и прекрасной возможностью проявиться таланту нашей героини. Надо сказать, что песни в исполнении Розы Рымбаевой почти всегда становились хитами, так как, обладая незаурядными вокальными данными и тонким мироощущением, она могла донести до массового слушателя глубинный замысел и мелодическую красоту песни.

Рымбаева много сотрудничала с композиторами Сейдоллой Байтерековым, Асетом Бейсеуовым, Талгатом и Кайсаром Сарыбаевым, Ираном Гайыпом, Ренатом Гайсиным, Сатжаном Шамиевым и другими. В репертуаре певицы 500 песен, которые можно разделить по темам на лирические, патриотические и семейно-бытовые песни, размышления о жизни, песни о музыке, приуроченные к важным датам и посвященные временам года.

Оценивая творчество Рымбаевой, докторка искусствоведения, профессорка Елизавета Уварова пишет: «Ее творческая манера неповторима, своеобразна. Как мастер вокального цеха она относится к направлению в жанре, который мы называем классической эстрадой, сочетая в своей исполнительской палитре традиции с современностью. Она делает песню частью духовной жизни своих слушателей. Розе Рымбаевой присущи удивительная серьезность, искренность, за которыми стоит незаурядный актерский талант и темперамент. Говорят, песня — душа народа, но прежде всего песня — душа того, кто ее дарит зрителям. У Розы Рымбаевой красивая и добрая душа».

Репертуар Розы Рымбаевой огромный — от народных песен до современных эстрадных и романсов, она является яркой представительницей казахской культуры, достойно представляющей искусство нашей страны в мире. Ее называют «примадонной казахстанской эстрады», «золотым голосом Казахстана» и «поющим соловьем Центральной Азии».


Сезон 2. Эпизод 6. От қонақасы и тойбастар к застольной песне
Эпизод 6. От қонақасы и тойбастар к застольной песне

Для подготовки этого эпизода мы поговорили с культурологом Бердалы Оспаном. Лекцию читает Карина Абдуллина.

Некогда расхожее словосочетание «застольная песня» –– это популярный жанр, бытовавший во многих культурах. Формально он предполагает пение во время застолий, на праздниках и по особым случаям.

В казахской традиционной культуре именно застольной песни как самостоятельного жанра не существовало. При этом, коннотация приема пищи и пения была достаточно явной, но проявлялась в других формах - например, қонақ асы или тойбастар. Уже в ХХ веке, в условиях городской жизни и бурного развития массовых жанров, совместное пение «за столом» становится неотъемлемой частью досуга многих жителей Казахстана. Можно ли считать қонақ асы прообразом застольной песни и, вообще, есть ли между этими явлениями связь? Какие песни в ХХ веке казахи пели во время застолий? Об этом –– сегодняшний выпуск нашего подкаста.

В первом сезоне мы рассказывали о том, что казахская музыкальная культура непосредственно связана с условиями жизни и сложившимся мировоззрением наших предков, что она изобилует уникальными обрядами, традициями, жанрами. Среди удивительных традиций, до сих пор бытующих хоть и в видоизмененной форме, –– «қонақ асы», то есть встреча гостей.

Эта традиция с одной стороны был поводом встретиться, пообщаться и сытно поесть с родственниками и другими людьми, а с другой стороны — исполняла функцию по укреплению социальных связей. Қонақ асы четко выстраивал систему взаимоотношений между участниками: гостями и хозяевами, дальними и близкими родственниками, старшими и младшими, мужчинами и женщинами. То есть қонақ асы имеет двойственную природу — ритуал, облеченный в неформальную форму общения.

Действие қонақ асы проходило в юрте, которая служила и жилищем, и местом приема гостей, и местом трапезы, и местом музицирования. Қонақ асы начинали с угощения. В перерывах между едой и разговорами звучала музыка –– инструментальное произведение или песня. Причем в это время по этикету никто из присутствующих не ел.

Музицирование во время қонақ асы подробно в своей статье описала исследовательница Асия Мухамбетова:

«В самом начале обязательно говорится о челове­ке, о его положительных качествах (о недостатках только в шутливой форме), в конце же говорится о желании сыграть для гостя определенный кюй, который обязательно должен быть как-то связан с образом человека, созданным кюйши в начале слова. К примеру, если о взрос­лой женщине говорится как о достойной матери, вырастившей хороших детей, то ей может быть сыгран кюй Курмангазы "Қайран шешем" — "О, моя мать", серьезному человеку — кюй философского склада, бывшему фронтовику — кюй "Жеңіс" — "Победа", молоденькой девушке — изящ­ный и кокетливый кюй Даулеткерея "Қос алқа'' — "Ожерелье", ново­брачной — кюй "Келіншек" — "Невестка". Отсюда огромное количество кюй-арнау в честь гостеприимных хозяев, носящих зачастую их имя.»

В қонақ асы музицирование является продолжением общения собравшихся, способом выражения благодарности. Асия Мухамбетова особое внимание в своей работе обращает на высокий статус музыкантов: среди присутствующих они были самыми почетными гостями, которых садили төрге, то есть на самое почетное место в юрте. От музыкантов, как гостей издалека, ждали и последних новостей. Очень ценилась, помимо музицирования, способность поддержать беседу, по возможности, остроумно.

Очень ярко эта традиция показана в фильме «Біржан сал» 2009 года режиссеров Досхана Жолжаксынова и Рымбека Альпиева. Сценарий к фильму написал известный знаток казахского бытия — Таласбек Асемкулов.

Другое явление, где музыка и прием пищи сосуществовали вместе –– это жанр тойбастар, что в переводе с казахского языка означает «открывающий празднество». Как писал большой знаток казахской традиционной жизни Халел Досмухамедов, в тойбастаре по случаю свадьбы восхваляются невеста и жених, родители и сородичи их рода, высказываются самые добрые, светлые пожелания новобрачным. Зачастую исполнителю или исполнительнице песни тойбастар, преподносят подарок, подобающий его статусу и авторитету хозяина торжества. Раньше это мог быть конь, дорогой шёлковый халат или деньги. Обычно получивший подарок акын должен разделить его с окружающими.

Описывал эту традицию и Сакен Сейфуллин в книге «Сол жылдарда»:
Отрывок начитывает актер Салим Балгазин

«…В это время многие услышали громкие весёлые голоса людей, идущих в сторону дома. Один из них во весь голос начал песню:

Құтты тойға кез болған жолды жігіт,
Бұрынғының жолымен жол бастайды.

По древней традиции начинает той
На счастливую свадьбу попавший джигит.

Гости сразу прислушались. Несколько всадников подъехали и остановились у дома хозяйки торжества. Сидевший на кобыле с густой гривой и хвостом, безбородый, высокий и смуглолицый джигит продолжил песню:

Ай-ай-ай, біз келдік мерекеге тәңір айдап,
Қызыл тіл осындайда сөйлер сайрап,
Жүйрікпін той бастайтын топтан озып
Жолымды той иесі шығар сайлап.

А-а-ай, на праздник нас сам тенгри привел,
Язык сам мой находит красивые слова.
Я, как иноходец, на той этот летел,
Хозяин дома знает цену песне всегда.
Послышались голоса гостей, сидящих внутри дома:
– Ой, да это же Машак!.. поет «Тойбастар»! – стали говорить в других домах.
Ту биесін сайлатып сойдырған үй,
Табақ-табақ ет тартып тойдырған үй,
Сәтті күні сәрсенбі той қылыпсыз
Құтты болсын тойыңыз той қылған үй!

Пою для дома, где едят мясо кобылы жирной,
Где подают вдоволь угощенье гостям,
В добрую среду проводите той,
Поздравляю, пусть праздник будет большой! –
Машак, продолжал петь сидя на своем коне.

Гости на конях подъезжали к дому хозяина свадьбы. Быстро собралось очень много народа.

Жер ошағы ылайық жол тұрады
Жампоз нарға ылайық қом тұрады,
Құтты болсын тойыңыз, той иесі,
Той егесін тәңірім толтырады…
Қотан толып қойыңыз қойға ұлассын!
Қырға сыймай шуласып ойға ұлассын!
Құтты болсын айтамыз тойыңызға,
Той иесі, тойыңыз тойға ұлассын!..

Казан в вашем доме пусть будет полным,
Для верблюдов ваших будет всегда ноша легка.
Поздравляю хозяина снова и снова,
Да поможет вам тенгри сегодня и всегда!..
Пусть множатся и множатся ваши стада,
Пусть от ваших отар степь не будет видна!
Мы желаем вашему дому процветания слова,
Владыка тоя, будьте владыкой своего счастья всегда!..

…Одна из женщин, взяв из рук жены Шабданбека новый пёстрый чапан, вручила его Машаку.
– Вот тебе за то что ты спел тойбастар и начал той… Это тебе передала байбише! – сказала она, подавая халат».
Все эти моменты демонстрируют, что музыка связывала людей, создавала торжественную атмосферу и передавала память, наследие и ценности из поколения в поколение.

C установлением советской власти многовековой уклад был разрушен, началась другая жизнь. Из юрт люди переселились в дома и квартиры, из аулов переехали в города, из-за дастарханов пересели за высокие столы. Вместе с тем активно развивалась европейская музыкальная культура, популярность стали набирать такие инструменты как мандолина, гитара, баян. Они были компактными и наравне с домброй их использовали как аккомпанемент на домашних посиделках, которые сопровождались пением.

Так звучит современная застольная песня. Это запись с құдалықа в городе Орал, Западно-Казахстанской области. Гости исполняют песню «Анашым». Слова к ней написал Кайрат Жумагалиев, к слову, выходец из западного Казахстана, а музыку — Марат Омаров.

Застольная песня во второй половине XX века стала результатом наложения естественного пути бытования музыки и музыки нового формата –– эстрады.

Эта традиция стала новой формой бытования музыки в жизни казахстанского общества. И хоть сейчас застольное пение не носит массовый характер, эта традиция продолжает жить и находить отражение в массовой культуре. Например, кино. В фильме «Ореховое дерево» режиссера Ерлана Нурмухамбетова родственники собрались за одним дастарханом, чтобы отпраздновать шілде хана — рождение ребенка и спели вариант народной песни «Күміс құман-ай».

За столом обычно пели популярные эстрадные и народные песни, которые можно было исполнять в несколько голосов и которые не требовали особого вокального мастерства. Особенно любили песни Шамши Калдаякова, о котором мы уже упоминали как о короле казахской застольной песни, песни Асета Бейсеуова, Ескендира Хасангалиева, Нургисы Тлендиева, а позже — песни ВИА «Айгуль», «Дос-Мукасан» и других. В каждой республике публиковались сборники песен, в которые включали тексты широко известных и любимых народных и авторских композиций.
Сезон 2. Эпизод 7. «Азия Дауысы» — первый аутдор фестиваль Казахстана
Заключительный эпизод второго сезона BAYSA мы решили посвятить первому музыкальному фестивалю и песенному конкурсу «Азия Дауысы», потому что он сыграл важную роль в формировании современной музыкальной культуры Казахстана. Этот эпизод не спонсирован организаторами фестиваля и не является его рекламой.

Казахстанский музыкальный фестиваль «Азия дауысы» впервые состоялся на «Медео» в 1990 году и на протяжении последующих пятнадцати лет был одной из главных музыкальных площадок города. Самое масштабное события лета вплоть до 2004 года собирало в Алматы музыкантов, журналистов и слушателей из разных городов и стран. О том, как создавался первый аутдор фестиваль в Казахстане рассказываем в этом эпизоде.

Создали фестиваль телевизионный продюсер Мурат Иргалиев и режиссер Александр Пономарев, которые к тому времени состоялись, как профессиональные телевизионщики.

Третьей соучредительницей фестиваля стала Ирина Ковыряко. Ирина Владимировна с 1977 года работала на телевидении, в музыкальной редакции, куда однажды пришли работать Иргалиев и Пономарев. Так началась их совместная работа: они делали крупные телевизионные проекты, которые затем показывали по всему СССР. Среди таких проектов «С песней по жизни» и «Алма-Ата встречает друзей» и другие.

— Они были сложными людьми, конечно, но очень талантливыми, просто гениальными, — рассказывает Ирина Владимировна, которая проработала с Муратом Иргалиевым и Александром Пономаревым 41 год.

Ирина Владимировна была заместителем генерального директора по организационным и финансовым вопросам. Она решала все организационные вопросы, начиная от сметы, заканчивая логистикой, размещением гостей и руководством штаба, а после завершения фестиваля работала с отчетностью.

Идею провести музыкальный фестиваль и песенный конкурс на «Медео» Иргалиев и Пономарев вынашивали долго, она пришла им во время работы над программой «Здравствуй, Медео». Проведение такого масштабного мероприятия поддержали тогдашний председатель Гостелерадио Казахской ССР Гадильбек Шалахметов и председатель горисполкома Алматы Заманбек Нуркадилов.

— Благодаря Заманбеку Калабаевичу у нас были спонсоры, такие известные компании, как «Бутя», «Астана Моторс», «Казкоммерцбанк», «Туркуаз», и многие другие. Они очень много лет спонсировали фестиваль. В основном они привозили звёзд, то есть оплачивали контракты и гонорары. Например, в 95-м году «Бутя» привезла Пугачеву, «Айя» привезла Haddaway.

Диджей и судья X-Factor Kazakhstan Нурберген Махамбетов много лет посвятил развитию казахстанского радио. В конце восьмидесятых он делал первую программу с танцевальной музыкой Danceteria, которая шла на государственном казахском радио. Однажды Нурбергена пригласили в команду фестиваля «Азия Дауысы» — возглавить пресс-службу фестиваля.

Организовать фестиваль оказалось делом нелегким, в первую очередь из-за логистики: найти подрядчиков, разослать приглашения зарубежным гостям, найти артистов, подготовить сцену, отладить процессы многочисленных репетиций. Как руководитель пресс-службы Нурберген вел внешнюю коммуникацию. Вот как он вспоминает те дни:

— Было огромное количество работы. Особенно учитывая то, что тогда не было возможности связаться через интернет и социальные сети. Тогда единственными способом связи были почта и факс. В Алматы городской почтамт был на Панфилова и Калинина, где можно было отправить факс. Но было невозможно воспользоваться и факсом, потому что это официально контролировалось КГБ, так как факсом могли воспользоваться, чтобы печатать запрещенную литературу. Если находили – то это сразу тюрьма.

Одна из главных целей фестиваля «Азия Дауысы», –– познакомить слушателей с этно-музыкой из самых разных уголков Земли. Причем не с воспроизведением узнаваемых народных мотивов, а с этно-музыкой в современной интерпретации.

По словам Нурбергена Махамбетова, идею сделать «Азия Дауысы» этно-музыкальным фестивалем предложили радиоведущий Евгений Бычков и российский музыкальный критик Артемий Троицкий, которого Иргалиев и Пономарев пригласили в жюри конкурса на первом фестивале.

Однако Ирина Ковыряко с этим утверждением не согласна. Как она объясняет, Иргалиев и Пономарев были авторами концепта «Азия Дауысы» и не хотели превращать свое детище в рок-фестиваль, как это предлагал Артемий Троицкий. Троицкий пригласил в жюри конкурса своих западных друзей по музыкальной индустрии: одного из основателей жанра эмбиент Брайена Ино, музыкальных продюсеров Питера Дженнера и Джо Бойда, которые работали с такими звездами рока как Pink Floyd, The Clash, R.E.M. и другими.

— Он никогда не был этно-фестивалем или поп-фестивалем. Самое главное в нашей концепции – это сохранение национальных традиций. Национальное что-то, но в современной обработке обязательно было. То есть наш народ мог узнать культуру той страны, которая участвовала, а они, наоборот, нашу культуру. Вот такого не было, чтобы прямо вот этно. Наоборот, главное условие – это звучание национальный традиции, но в современной обработке.

Когда мнения по музыкальному содержанию фестиваля «Азия Дауысы» стали расходиться команду фестиваля покинули многие, в том числе и Нурберген.

С каждым годом в программе фестиваля становилось все больше поп-артистов, которые стабильно гарантировали полные трибуны на фестивале. На «Азия Даусы» в разные годы приезжали Патрисия Каас, Тото Кутуньо, рэпер Кулио и российские звезды: Андрей Губин, Линда, Алла Пугачева и другие.

– Это всё было на полном энтузиазме, мы работали как сумасшедшие. Но это было очень интересно, потому что мы стояли у истоков очень большого дела – представьте себе провести международный фестиваль на Медео. Я безгранично уважал Мурата Иргалиева и Александра Пономарёва за то, что они сумели сделать фестиваль такого уровня, который спустя время вошёл в список лучших фестивалей мира. Это невероятная работа. Это же Медео, а значит нужно организовать и транспорт, это надо было ехать с города, ждать автобус чтобы доехать, бесконечные репетиции.

Для турбулентных 90-ых, когда казахстанское общество переживало трудный период и становление независимости, фестиваль «Азия Дауысы» стал глотком свежего воздуха:

— Мы не знали как веселиться, мы не знали как тусоваться, мы не знали как звучит хорошая музыка, хороший звук. Ничего же не было такого. Такого калибра фестиваль как ни крути открыл дорогу в совсем иной мир развлечений. Поэтому я думаю что для людей это было окно в мир новый совершенно

Важная часть фестиваля — песенный конкурс, который смог бы открыть миру новые имена, познакомить его с самыми удивительными явлениями этномузыки.

Свои заявки на участие подавали музыканты со всего Казахстана и ближнего зарубежья. Всего оргкомитет конкурса получил 149 заявок. Среди них была и казахстанская этно-рок группа «Роксонаки», которую основал музыкант и звукорежиссер Руслан Қара.

Руслан Қара родился и вырос в Костанае. Как-то в шестом классе приятели позвали его с собой в одно место: небольшой домик в частном секторе. В одной из комнат этого дома подростки занавесили окна и включили бобинный микрофон, заиграла песня Led Zeppelin. Так тринадцатилетний Руслан оказался в тайном месте, куда подростки приходили слушать запрещенную в СССР музыку.

Сначала понять ее было сложно, но с каждым прослушиванием он все сильнее погружался в новое для себя звучание, научился различать партии инструментов, оценивать красоту и мелодизм композиций. Со временем Руслан открыл для себя музыку Pink Floyd, Rolling Stones, Beatles, и британский рок во многом сформировал его музыкальный вкус.

В 1990-м году Руслан увидел по телевизору объявление о проведении музыкального конкурса «Азия Дауысы». К тому моменту у него за плечами уже был небольшой опыт в музыке: играл на гитаре в ансамбле, играл на духовых в военном оркестре во время службы в армии, работал музыкальным руководителем художественной самодеятельности в одном из клубов в поселке Жайрем, недалеко от Жезказгана.

У Руслана возникла идея принять в нем участие и он довольно скоро собрал команду. Руслан был знаком с одним домбристом в Жайреме – Сериком Кошкинбаевым, и предложил поехать вместе с ним на конкурс. Он согласился. Третьим участником команды стал клавишник из Жезказгана – Николай Дмитреску.

В то время в Казахстане появились первые рок-группы, которые в основном пели на русском языке. Руслану же хотелось услышать казахский рок. Младшая сестра Руслана тогда работала в театре. К ней он обратился за советом: на какие тексты написать музыку? Она дала ему книжку, в которой были собраны тексты Бухар жырау и Үмбетей Тілеуұлы жырау. Руслан начал читать книгу и всё больше проникаться народной казахской музыкой и текстами. Он находил их очень близкими к рок-музыке. Так появились первые две песни группы – «Сөз» на слова Бухар жырау и «Терме» на слова Үмбетей жырау. Для участия как раз нужны были три. Третьей песней стала «Бесік жыры».

Когда он приехал подавать заявку в Алматы, его на месте спросили название группы. Собирая команду и репертуар, Руслан совсем забыл о названии. Недолго думая, он вписал «Роксонаки» — так называлось древнее племя, жившее на территории современного Казахстана. О нем Руслан впервые прочитал в исторической повести «Финикийский корабль» советского писателя Василия Яна.

Вплоть до старта фестиваля в конце июля, «Роксонаки» то и дело видели рекламу фестиваля, на который, как говорили дикторы, приедет около 150 групп со всего Советского Союза. Для них стало шоком новость о том, что они прошли отбор и им предстоит выступить на «Медео». Попасть из провинции и сразу на такую большую сцену –– то еще испытание.

– Ощущения, конечно, были вообще не передать. Во-первых, это первый такой международный фестиваль такой грандиозный, потом ещё на Медеу. Это было что-то такое потрясающе, сама обстановка – горы кругом, эхо отдаёт, когда поёшь на сцене.

«Роксонаки» выступая в финале, даже не думали, что их выступление покорит жюри и им дадут первое место. И уж тем более они не думали, как выступление на «Азия Дауысы» может изменить их жизнь:

— Для нас уже было достаточно для нас то, что мы попали в финальную часть. А когда после выступления в финале мы сидели в юрте и журналисты подбежали ко мне и начали говорить, что мы первое место получили – я просто не верил, не может быть этого. Я помню то состояние моё тогда.

В тот год группа «Роксонаки» заняла первое место, второе место разделила певица Макпал Жунусова и группа «Центр Азии» из Тывы, а третье место заняла монгольская группа «Чингизхан». Гран-при фестиваля получила группа «Карс» из Узбекистана.

По словам Руслана Қара, фестиваль «Азия Дауысы» оказал огромное влияние на музыкальную индустрию Казахстана. Многие тогда зажглись, заинтересовались и увлеклись музыкой.

– Толчок сильнейший был, появилось очень много исполнителей тогда. Именно казахских исполнителей очень много появилось, которые начали петь на родном языке и с национальным окрасом. <...> Первые два-три года темой фестиваля была этно-музыка, потом туда начали приглашать Российских и Западных поп-артистов. Хотя изначально Азия Дауысы был заявлен как фестиваль национальной музыки. Ради этого сюда и приезжали, резонанс от фестиваля был по всему миру.

О том, почему в 2005 году фестиваль «Азия Дауысы» закрылся, Ирина Владимировна говорить пока не готова, но обещает однажды рассказать эту историю. Для нее, как и для Мурата Иргалиева и Александра Пономарева это было большая глава жизни, закрыть которую было нелегко:

— Понимаете, когда вы 15 лет – это ваша жизнь, вы живете в этом проекте. Вы его улучшаете, стараетесь, чтобы это было интересно для публики, для зрителей, для народа и когда вас закрывают просто. У Саши с Муратом, я так думаю, был сначала большой шок, потом обида, и, естественно, когда ты долго носишь обиду, потом уже нет желания возродить. Они мне кажется, были обижены до конца на эту ситуацию.

Фестиваль «Азия дауысы» стал важным этапом развития музыкальной культуры страны и первой крупной концертной площадкой для многих казахстанских исполнителей, а для многочисленных зрителей остался ярким воспоминанием.
Сезон 1
Сезон 1, Эпизод 1. Песня-функция
Музыка была тесно вплетена в уклад кочевого казахского общества на протяжении многих столетий, поэтому в первом эпизоде подкаста BAYSA рассказываем о том, какую роль играла музыка и звук в практиках шаманов и бахсы, а также о том, как плач жоктау помогал прожить горе, связанное со смертью близкого человека.
Своими знаниями и экспертизой в эпизоде делятся практикующий шаман традиции Тенгри – Ховаган Тобет Камом, музыковедка Меруерт Курмангалиева и культурологиня Зира Наурызбаева.
Сезон 1, Эпизод 2. Образ природы в казахской музыке
Природа и окружающий мир всегда занимали особое место в жизни кочевников – от этого зависела их жизнь. В новом эпизоде подкаста BAYSA рассказываем о том, как именитые певцы воспевали в своих произведениях образы степи, рек, озер и гор, делились сокровенным в обращениях к птицам и оплакивали потерю своих любимых животных, увековечим тем самым память о них.
Лекцию подготовила старшая преподавательница Казахской национальной консерватории имени Курмангазы докторантка Баглан Бабижан. Начитывает лекцию Карина Абдуллина.
В подготовке этого эпизода приняли участие научная консультантка Раушан Джуманиязова, звукорежиссер Даут Жантасов, продюсерка и редакторка Айсулу Тойшибекова.
Источники музыки: личный архив Карины Абдуллиной, Центральный государственный архив кино- фотодокументов и звукозаписей РК, Bilim TV, Ахан Отыншиев, The Buhars.
Сезон 1, Эпизод 3. Региональные школы казахской музыки
В этом эпизоде рассказываем о том, как казахская традиционная музыка отличается от региона к региону и том, какие факторы формируют эти самые региональные особенности. Лекцию подготовила профессорка и доктор искусствоведения Саида Елеманова. Лекцию читает Карина Абдуллина.
В подготовке этого эпизода приняли участие научная консультантка Раушан Джуманиязова, звукорежиссер Даут Жантасов, продюсерка и редакторка Айсулу Тойшибекова.
В эпизоде звучат: песня «Ақ сиса» в исполнении Манарбека Ержанова, «Елігай» в исполнении Куляш Байсеитовой, предоставленные Центральным государственным архивом кино- фотодокументов и звукозаписей РК, а также кюи «Терісқақпай» Есбая в исполнении Тогжан Кыдырсиновой и «Күлтегін» Сакена Турысбека в исполнении Сундета Орезекулы, предоставленные проектом SUYUNBAY19
Сезон 1, Эпизод 4. Как зарубежные этнографы собирали песни казахского народа
В новом эпизоде подкаста BAYSA рассказываем о ранних сохранившихся записях казахской музыки, экспедициях Александра Затаевича и том, как сегодня казахскую музыку записывают и сохраняют не только в Казахстане, но и за его пределами.
Лекцию подготовила профессорка Казахской национальной консерватории имени Курмангазы Сауле Утегалиева. Лекцию читает Карина Абдуллина.
В эпизоде использованы записи Рихарда Карутца, которые хранятся в Ethnologsiches Museum – Staatliche Museen zu Berlin, а также запись песни «Балкадиша» в исполнении Амре Кашаубаева. Герой эпизода – кюйши и дирижёр Нурлан Бекенов исполнил и записал для подкаста BAYSA кюи «Әуез» и «Қос келіншек».

Сезон 1, Эпизод 5. Важные исторические события, рассказанные через музыку
В новом эпизоде рассказываем о том, как традиционная, академическая и популярная музыка помогают нам осмыслить важные и непростые события. Лекцию подготовил музыковед Антон Сомов. Начитывает лекцию Карина Абдуллина. В эпизоде звучат: кюй «1916» в исполнении Дины Нурпеисовой, песни «Атамекен» в исполнении Ескендира Хасангалиева, «Заман-ай» в исполнении Розы Рымбаевой и MEMO группы Qonyratbay fam и jeltoksan.
Сезон 1, Эпизод 6. Жизнь и творчество Дины Нурпеисовой
Лекцию подготовила кюйши и преподавательница Казахского национального университета искусств, PhD докторантка Айтолкын Токтаган. Лекцию читает Карина Абдуллина.
В эпизоде звучат звучат кюи в исполнении Дины Нурпеисовой "Бұлбұл", "Ерке ер", "8 март", "Наусқы". Источники: "Алтын қор" и Центральный государственный архив кино-фотодокументов и звукозаписи РК.
Сезон 1, Эпизод 7. Становление казахской оперы
Лекцию подготовила музыковед Жанель Сафиева
Лекцию читает – Карина Абдуллина.
В этом эпизоде мы использовали отрывки из оперных произведений, поставленных в 30-ые и 50-ые годы и исполненные выдающимися оперными исполнителями Казахстана:
- песня Шеге в исполнении Гарифоллы Курмангалиева из оперы "Қыз Жибек";
- песня Таргына "Қара кесек" в исполнении Курманбека Жандарбекова из оперы "Ер Тарғын";
- песня Елемеса "Ақ баян" в исполнении Гарифуллы Курмангалиева из оперы "Жалбыр";
- песня Жибек "Гәкку" в исполнении Куляш Байсеитовой из оперы "Қыз Жібек";
- арию Абая из одноименной оперы в исполнении Ришата Абдуллина;
- песня "Үкілім-ай" в исполнении Куляш Байсеитовой из оперы "Жалбыр".
Сезон 1, Эпизод 8. Музыкальное искусство депортированных в Казахстан народов
Восьмой эпизод подкаста BAYSA — нарративный. В нем мы рассказываем о том, как сохраняется национальная музыкальная культура депортированных в Казахстан народов на примере польской и корейской диаспор.
Для этого мы поговорили с руководительницей польского молодежного ансамбля «Нарцыз» Мариной Ершовой и руководителем корейского хора «Родина» Владимиром Шином.
Сезон 1, Эпизод 9. Музыка в кино 50-70 годов
В новом эпизоде рассказываем о музыке в казахстанском советском кино и том, как она менялась: от общесоветских мотивов к национальным.
В этом эпизоде использованы киноархивы студии "Казахфильм" www.youtube.com/c/kazakhfilmstudios.
Лекцию подготовила кинокритикесса Гульнара Абикеева. Лекцию читает – Карина Абдуллина.
Сезон 1, Эпизод 10. Рассказываем о любимых казахских песнях
Завершаем первый сезон вместе с партнерами и друзьями нашего подкаста. Мы пригласили Карину Абдуллину, jeltoksan., директора Фонда Булата Утемуратова Марата Айтмагамбетова, PR-директора Леонида Нигматуллина и переводчика и поэта Тилека Ырысбека рассказать о любимых песнях. Своими любимыми песнями также поделились директорка Фонда имени Батырхана Шукенова Наргиз Шукенова и продюсерка подкаста BAYSA и основательница студии Bulbul Айсулу Тойшибекова.

В эпизоде звучат отрывки песен:
- «Япур-ай» в исполнении Шабы Аденкул;
- «Қарай көзім» в исполнении этно-группы АБАТ;
- «Сағындым сені» в исполнении Курманжан Омаровой и группы «Дос-Мукасан»;
- «Құстар әні» в исполнении Амиры Айткуловой @amira.lyric;
- «Перекресток» группы «Овощи Фрукты».

А также народная колыбельная песня «Әй-әй бөпем», записанная группой Musicola и песня «Теңіз» The Buhars feat jeltoksan.
Слушайте нас на платформах
Apple Podcasts
Google Podcasts
Яндекс Музыка
Soundcloud
Над подкастом работали
  • Айсулу Тойшибекова
    Редакторка и продюсерка
  • Гульдана Тауасар
    Дизайнерка
  • Эмиль Досов
    Композитор, музыкальный продюссер
  • Карина Абдуллина
    Нарраторка
  • Бексултан Бахытжан
    Нарратор
  • Анель Хасен
    Администраторка
  • Friedrich Shegirtke
    Перевод материалов на казахский язык
  • Меруерт Курмангалиева
    Доцент КазНУИ, кандидат искусствоведения
  • Айганым Рамазан
    Нарраторка
  • Саида Еламанова
    Этномузыковедка
  • Зира Наурызбаева
    Культуролог
Информационный партнер
  • CITIX
    CITIX РАЗРАБАТЫВАЕТ СОВРЕМЕННЫЕ ТЕХНОЛОГИИ ДЛЯ БИЗНЕСА, НЕ ИМЕЮЩИЕ АНАЛОГОВ В МИРЕ
    Казахстанская IT-компания, создающая нестандартные технологические решения для осуществления успешных коммерческих проектов и комфортного пребывания в городской среде.