Произведение молодого композитора «Pray» («Молитва») вызывает большой интерес, особенно при первом прослушивании, когда возникает наиболее яркая эмоциональная реакция. С одной стороны, задаешься вопросом, как такому юному человеку удалось написать емкий и проникновенный музыкальный текст. С другой, поражает выбранный художественный материал – сюжет о пророке Илии. Автор говорит: «Для нас его история заканчивается, когда он отправляется на небеса на огненной колеснице. Нам неизвестны дальнейшие обстоятельства. На его пути, достаточно сложном, был один поворотный момент, который, по-моему, может пролить свет на интересующую меня тему. Его опыт не точно подходит к моему пути, однако есть факты, которые мне стоит учесть, а именно: позицию Илии в виду обстоятельств и позицию Бога».

В итоге слушатель приходит к мысли, что это не просто академическое сочинение, а глубокое, в полной мере концептуальное произведение, написанное на религиозный сюжет, который осознан и принят самим автором. В академической среде подобная тематика в творчестве композиторов встречается все реже, хотя она и была актуальна в прошлые столетия и благодаря Баху находила свое место и в светских жанрах.

На мой взгляд, слушать это произведение нужно после предварительного разъяснения, основанного на заметках Арыстанбека с небольшими дополнениями от автора данного текста. Подобный творческий подход требует от композитора максимально точного отбора средств выразительности и нужной композиционной основы (формы).

Форма сочинения, она же карта, проложенный путь, – это следующие друг за другом четыре раздела. Каждый имеет свое название: молитва – землетрясение – молитва – голос/ветер. Инструментальный состав – квартет деревянных духовых инструментов (флейта, гобой, кларнет, фагот), медные духовые (труба и бас-тромбон), ударные (литавры и колокола). Каким образом все это влияет на передачу идейно-художественного образа? Ответ скрывается в авторских размышлениях: «В произведении выбранные инструменты трактуются символически. Так, молитву исполняет квартет деревянных духовых инструментов – тембры, близкие к человеческим; землетрясение (один из ответов на молитву) – медные духовые труба и бас-тромбон, но не только, образ требует и ударных инструментов – литавры (четыре котла). Из этого следует, что после первой молитвы, которую произносит квартет деревянных, приходит первый ответ – землетрясение, с его литаврами, трубой и бас-тромбоном – сокрушительное бедствие приводит молящихся в ужас. После землетрясения молящиеся вновь обращаются к Богу, чтобы получить ответ и понять, что он хочет им сказать. Эта молитва явно меняется – то, что прошло, несет отпечаток, – ударный инструмент сопровождает колокола… В конце молящиеся получают ответ, он является откровением – тихий голос, тихий ветер: кто, как не ребенок, ближе всего к Богу? Этот тембр – находка для образа».

Эти разъяснения позволяют свободнее ориентироваться в музыкальном тексте, понимать некоторые его нюансы. Так, в первом разделе – в «Молитве» – акцент сделан на восходящем диссонирующем интервале с последующим, казалось бы, естественным разрешением. Это основная музыкальная тема, которая звучит в партии солирующего гобоя. Она вызывает настороженные чувства. Это явное обращение к Богу с вопросом, на который требуется ответ. Постепенно музыкальная мысль развивается в партии квартета деревянных духовых, усложняется фактура, интенсивнее становится динамика.

Во втором разделе «Землетрясение» обращает на себя внимание способ организации двух музыкальных пластов: первый – у деревянных духовых, которые символизируют порыв, смятение, второй – у медных и ударных, которые создают ощущение природной мощи и переживаемого ужаса. Третий и четвертый разделы, на мой взгляд, представляют собой логично выстроенный единый процесс. Когда после повторной молитвы следует ответ, исполняемый голосом, невольно ощущаешь некое единение или договоренность между внешним и внутренним мирами. Стоит отметить, что основная музыкальная мысль, тема молитвы, теперь звучит в партии фагота. Это художественное решение можно трактовать как «символ приобретенной мудрости», которая появилась после первого ответа-землетрясения.

В последнем разделе для передачи образа тихого ветра вокальную партию сопровождают флейты в очень высоком регистре на рр. У других инструментов деревянного квартета крупные длительности в среднем и низком регистрах не так сильно обращают на себя внимание слушателей, и потому так сильна концентрация на голосе, который несет просветление и откровение для молящихся.

К сочинению могут обратиться люди, которые находятся в поиске духовных ответов, испытывают эмоциональный застой, в какой-то степени нуждаются в сторонней поддержке. Несмотря на выстроенность и логичность музыкальной линии, продуманность в выборе выразительных средств, на мой взгляд, у произведения есть потенциал для большего размаха. Оно может стать началом большого полотна, в котором у автора будет возможность полнее раскрыть сюжет.

Певица, которая исполняет jazz, pop, r'n'b, neo-soul. Назия сочиняет музыку, пишет каверы на известные песни, в том числе, народные. Это позволило ей найти собственный подход к исполнению джаза и по-новому трактовать народную музыку. Творчество и жизненную позицию Назии определяет ее девиз: «Один в поле – воин!».

Долгое время Назия не могла себе признаться, что хочет профессионально заниматься музыкой, поэтому ее первое профильное образование – переводчик-синхронист. Тем не менее, начав заниматься вокалом, она сразу полюбила джаз. В 14 лет поступила в джазовую школу Тагира Зарипова (Джазовая детская музыкальная школа №4). После ее окончания стала заниматься у джазовой певицы Ирэн Аравиной. Дополнительно обучалась вокалу на летних курсах в Беркли (Италия, Умбрия), после чего за два года окончила Миланскую академию Academy bel suono по классу современного вокала, где приобрела большой профессиональный опыт. Во время учебы особое внимание уделяла импровизации, что позволило ей научиться сочинять музыку «сходу».

Работала с Soul Note, Fisher Group, Atman, Talisman Band, симфоническим оркестром акима города Алматы (под управлением А. Белякова), Hapanasasa, IceCream band, Nasiafromasia band.

Сегодня артистка чувствует, что завершила активный период учебы и готова пробовать себя в роли педагога, а также организатора собственных концертов. Назия считает, что «талант – лишь маленький процент, остальное – труд, труд, труд. Нужно обязательно учиться правильно сочетать творческий и административный процессы и уметь на этом зарабатывать». Это дает возможность писать разнообразную и востребованную музыку, находиться в постоянном развитии. Внимание привлекает созданный Назией музыкальный проект «Открытый микрофон», где каждый любящий музыку человек может творчески проявить себя. Это место, где могут выступать люди с разными предпочтениями и способностями и выражать себя через музыку.

Назия уверена, что для музыкантов и музыкальных продюсеров не просто важно, но необходимо посещать все концерты, знакомиться с разными коллективами для расширения слушательского опыта и понимания рынка. Девушка считает, что у нас не может возникать проблем с исполнением музыки: «Любое здание, которое есть в Алматы, имеет потрясающую акустику. Это концертные залы, где может звучать любая музыка! В нашем оперном театре можно петь даже джаз; один и тот же исполнитель может петь в разных стилях и направлениях…

Музыка – это дар, она может пропасть, когда сама так решит. Я стараюсь быть честной, чтобы она всегда была со мной. В музыке не может быть целей, есть процесс, который, если повезет, дает результаты».

Это сочинение со своей танцевально-клубной энергетикой не похоже на другое творчество Назии. В песне раскрывается иная сущность автора, выраженная в особой музыкальной гибкости и движении мелодии, ритмах, не совсем типичных для джазовых лирических композиций. Создается впечатление, что творческая натура Назии спонтанно нашла выход своим новым проявлениям. Важно отметить, что натуральное звучание инструментальных партий, в том числе духовых инструментов, заменено на электронное, что придает песне более современное, «попсовое» звучание. Как отмечает сама автор, работать с живым звучанием для нее – важный опыт. Назие хотелось попробовать себя именно в поп-музыке.

Песня начинается с пульсирующих сигнальных звуков, на фоне которых в низком регистре вступает основной волнообразный мелодический мотив, характерный своей напряженной пунктирно-синкопированной ритмической организацией. Это создает ощущение «досугового состояния», расслабленного и в то же время гибкого «нагловатого» движения, передающего клубную атмосферу. Сама вокальная партия, с авторской манерой исполнения – придыханием в голосе, бархатными переходами, мелизмами, небольшой напряженностью – пронизана восточными мотивами. Особый колорит всему этому придают тембр голоса Назии и барабанные удары.

Динамика песни выстраивается органично, по нарастающей. Она имеет внутренний потенциал, который заложен в самом начале и задает всей песне определенный темпоритм. Все последующие элементы (вокальная партия, электронные звуки, ударные инструменты, подголосочные мотивы в бэк-вокале) нанизываются один за другим в каждом новом витке развития и создают единую целостную композицию. Пик развития – второй куплет и последующий завершающий припев. С него усиливается ритмическая сторона, более выразительной становится линия баса. В голосе появляется некоторое напряжение, напор, в то время, как бэк-вокал сохраняет атмосферу таинственности и интимности.

Таким образом, за две с небольшим минуты у нас есть возможность зарядиться энергией, почувствовать пластику ритмической пульсации Востока, пропустить ее через себя и прикоснуться к «арабскому» сюжету с его палитрой тайн, сомнений, хитростей, страстных переживаний, любви. По сути – 1000 и 1 ночь в XXI веке.

Работает как композитор и в академических направлениях – от классики до неоклассики, и в массовых – от поп-музыки и каверов до музыки к спектаклям и киносериалам. Но, все же, Шырын отдает предпочтение первым и специализируется на сочинении оркестровой и камерной музыки. Ее сочинения отличаются проницательностью, глубоким содержанием и обращением к национальным истокам. Она стремится переосмыслить и понять их значение в XXI веке.

Любовь к музыке девушке привил отец Амербек и мама Шынар. Начальное музыкальное образование Шырын получила в РССМШ им. К. Байсеитовой по классу домбры, после 9 класса перевелась на теоретическое отделение и, окончив школу, поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию им. Римского-Корсакова в класс композиции профессора Александра Дерениковича Мнацаканяна, ученика Д.Д. Шостаковича.

На развитие и становление ее музыкального языка, выбор средств выразительности повлияли композиторы К. Шильдебаев, Т. Кажгалиев, Н. Тлендиев, И. Стравинский, С. Прокофьев, Б. Барток, А. Пярт, Г. Канчелли, В. Лютославский и Р. Щедрин.

У Шырын большой опыт в сфере академической и массовой музыки. Она принимала участие в проекте Народной артистки РК Жании Аубакировой «Самғау», работала над оркестровкой и аранжировкой к киноэпопее «Путь лидера», в течение трех лет сотрудничала с драматическим театром имени М. Ауэзова и написала музыку к семи спектаклям совместно с А. Толукпаевым. Помимо этого, композитор писала музыку к сериалам и короткометражным картинам. Шырын – автор многих песен для казахстанских артистов.

Шырын участвовала в сольном концерте группы Magic of Nomads, была членом жюри первого конкурса композиторов от музыкального фонда Altyn Art, работала с музыкантами Ренатом Гайсиным, Адильжаном Толукпаевым и Виктором Хоменковым над сборником песен Игоря Крутого в переложении для разных инструментов. Шырын в этом проекте выступила в роли музыкального редактора. Также участвовала в проекте Junior Eurovision в качестве приглашенного композитора – создавала песни финала национального отбора.

Профессиональный опыт Шырын, несомненно, обогатило сотрудничество с Казахским государственным симфоническим оркестром филармонии им. Жамбыла (дирижеры Канат Омаров, Ваг Папян, Ерболат Ахмедияров), Студенческим симфоническим оркестром Казахской национальной консерватории им. Курмангазы (дирижеры Канат Омаров, Берик Батырхан, Мадияр Тойболды), Оркестром филармонии города Нур-Султан (дирижеры Берик Батырхан, Ернар Нуртазин), Оркестром Академии солистов, Эстрадно-симфоническим оркестром акима города Алматы (дирижер Александр Беляков), группой Saz&Soul. Сейчас она работает в творческой службе Казахконцерта как композитор-аранжировщик.

Область музыкальных интересов Шырын широка, в ее послужном списке большое количество сочинений. Так, например, в академическом направлении – вокальный цикл на стихи Олжаса Сулейменова, 10 обработок народных песен для фортепиано, струнный квартет, монодия для кларнета соло в двух частях, вариации для трубы и симфонического оркестра. Среди прочего, в ее портфолио музыка к спектаклю «Қас-Қағым» (реж. Елик Нурсултан), «Жүз жылдық махаббат» (реж. Алма Какишева), музыка к сериалу «Арманға 20 қадам», (реж. Қанағат Мустафин), а также свыше 30 песен.

Шырын мечтает о развитии академической классической и авангардной музыки в нашей стране, чтобы современный слушатель проявлял интерес к опере, балету и симфоническим концертам.

Заявленное произведение для музыкальной резиденции – 3 пьесы для духового квинтета. Состав: 2 трубы, тромбон, бас-тромбон, валторна. Написаны в свободной форме.

«Relation» для брасс-ансамбля – настоящий вклад в академическое духовое искусство нашей страны, так как музыка обладает ярким содержанием, изложена простым и в тоже время оригинальным авторским языком. Сочинения объединены, но могут исполняться как самостоятельные произведения. Состав – две трубы, валторна, туба.

Первая пьеса открывается лирическим соло тромбона. Мелодия, изложенная простыми длительностями, манера исполнения ассоциируются с выразительностью речи. Это повествовательный голос – глубокий, таинственный, с вопросительными интонациями и немного покачивающимся движением. Двухтактовая фраза особым образом воздействует на восприятие, вызывает ассоциации с вечерним пейзажем. В качестве «ответного слова» звучат партии валторны, затем трубы. Эта вопросно-ответная структура неслучайна, она призвана передать непрерывность диалога. Партия трубы своей светлой окраской привносит тембровый контраст. В целом, автор использует интересные приемы уплотнения фактуры, динамического освещения составляющих ее элементов.

В конце пьесы весь инструментальный состав приходит к единению и звучит в тембре медных духовых инструментов, эффектно воздействуя на восприятие. Все звуковое полотно словно искрится и переливается красками, благодаря неожиданным сменам гармонии, включению неаккордовых звуков, выделенным соло трубы, а после – довольно резко наступающим тончайшим рр. Лирическое настроение сохраняется до последнего звука.

Вторая пьеса отличается подвижным темпом и более интенсивным развитием музыкального материала. На фоне ритм-поддержки у труб, тромбона и тубы звучит соло валторны, явно несущее в себе потенциал для развития. В мелодии появляются мелкие длительности, волнообразность, скачки. Весь этот по-новому организованный материал передается от одного медного инструмента другому, создавая своего рода переклички с постепенным усложнением мелодии, ритма, фактуры и, в целом, полифонизирует музыкальную ткань.

Пик музыкального развития приходится на раздел piu mosso и начинается с волевого фанфарного призыва в партии валторны. Последующее нисходящее движение, приглушенное звучание трубы и тромбона возвращают к лирическому настроению первой пьесы. После нескольких таких перекличек начинается непрерывное гибкое мелодическое движение, которое сочетается с ритмически пульсирующими другими голосами. Развитие естественным образом сменяется разряжением фактуры и, в целом, снятием напряжения в конце сочинения.

Вторая пьеса – это мастерски выстроенный в техническом плане материал, показывающий подвижность медных духовых, их выразительные возможности. В небольшой по размеру композиции представлены все ключевые разделы – экспозиционный, развивающий и заключительный, отличающиеся внутренней контрастностью и единством. Включение материала из первой пьесы в третью, завершающую пьесу этого небольшого инструментального цикла, создает своего рода интонационную арку, гармонично обрамляя музыкальный «триптих». Но теперь лирическое соло тромбона автор поручает другому инструменту – трубе, тембр которой придает звучанию особый завершающий характер. Другим отличием третьей пьесы от первой является интересный прием смены восходящего движения на нисходящее, своего рода интонирование в обращении.

Важно отметить, что способы решения композиционных и исполнительских проблем позволяют включить это сочинение в репертуар школьных и колледжных ансамблей и занять достойное место в репертуаре уже сложившихся брасс-коллективов. Композитор проявляет замечательную изобретательность в трактовке исполнительских возможностей медных духовых инструментов. Поэтому ее сочинение может стать началом формирования нового нотного фонда для этой интереснейшей группы инструментов.

Художник, творческими средствами которой являются звуки природы, города, музыкальных инструментов, голоса. У нее нет музыкального академического образования. Дария занималась переводческим делом и владеет французским и английским языками. Отсутствие теоретических знаний в области музыкальной композиции не стало препятствием для творчества, а в некоторой степени, сделало ее опыт уникальным.

Дария занимается саунд-артом. Погрузившись в эту область достаточно глубоко, она убедилась, что в искусстве звука существуют методологические проблемы, о чем еще в 1937 году писал Джон Кейдж в своих статьях и музыкальных работах. Двоих авторов объединяет идея о том, что всякий звук является музыкой. Звук для Дарии – мощнейшее средство в искусстве. Музыка – то, что воссоздает природу жизни и дает ощущение объективности мира. Девушка работает в жанрах ambient, experimental, electronic.

В 2020 году Дария принимала участие в проекте «Stop, Collaborate and Listen!» онлайн-программы «Sonic Identity» QWAS Zurich University (Sound Art).

Творческий процесс Дарии начинается с записи городских и природных ландшафтов, звуков, которые можно извлечь из емкостей разных форм, пения и разговоров людей, шума ветра, техники. После этого она осуществляет мастеринг и сэмплирование звуков в программах, например, Abletone Live. В ходе работы с тем или иным материалом Дария следует за мыслью: «А что если…?». Критерием для выбора способа обработки звуков становятся ее собственные чувства и вкус: нравится или не нравится.

Отсутствие музыкального образования дает девушке определенную свободу от соблюдения жестких правил и ограничений в этой сфере. Желание творить подталкивает Дарию смотреть на привычные для музыкантов вещи с новой перспективы. Ей интересно, как тот или иной музыкальный инструмент может зазвучать иначе, какие звуки можно услышать в разных локациях или благодаря взаимодействию разных предметов, какова их природа или «вайб». «Тем не менее, нельзя сказать, что я как художник ухожу в эту сферу. Для меня это просто способ транслировать энергию. У меня нет академического образования, в моем роду нет музыкантов. Но мои родители, предки всегда пели, когда были увлечены чем-то. Музыка – неотъемлемая часть нашего существования».

Заявленное произведение для музыкальной резиденции – «Қоныр жел» (Qonyr Zhel). Это сочинение – попытка выразить то сложное, «смешанное» состояние, которое Дария часто переживает. Чтобы описать его, автор использует казахское слово «қоңыр». Главным звуковым материалом этого произведения является ветер. Движение воздуха воплощается через деревянные духовые инструменты, а также в фонограмме с домброй. В произведении использованы всего 4 ноты в одной октаве для придания ему статичности. Это произведение автор посвящает «всем людям, всему живому и неживому».

Сочинение отличается от привычных нам произведений, так как представляет собой узкий жанр электронной музыки – эмбиент. Различие выражается в манере написания, ведь это чистый электронный эксперимент, зафиксированный только в звукозаписи, а также подборе и выборе «музыкального» материала – в данном случае записи ветра, отдельных звуков, исполненных на духовых инструментах. Кроме того, сочинение отличается протяженностью и композиционностью (тринадцатиминутное звуковое полотно без четких разделов и контуров) и восприятием (медиативное погружение в себя). Все перечисленное организовывается при помощи темпа, который помогает выстроить «путь погружения». Начальная точка – звучание в медленном темпе с постепенным ускорением, с середины до следующей точки – ускорение, финиш – медленный темп вплоть до полного его растворения. При написании этого сочинения автор вдохновлялась Томом Йорком и Аки Онда. В процессе работы и фиксации найденных решений полагалась на собственные чувствительность и интуицию.

Вся звуковая масса, которая последовательно укладывается в структурированный процесс, создает впечатление полетности, летучести, что соответствует жанру эмбиент. И это не случайно, ведь Дария обращается к слову «қоңыр», говоря, что «для казахов оно имеет философское онтологическое значение: раньше им описывали что-то из повседневной жизни: время суток (қоңыр кеш), ветер (қоңыр жел), голос (қоңыр дауыс), музыку (қоңыр саз/күй)».

В произведении использованы всего 4 ноты в одной октаве у флейты, гобоя и кларнета, что делает звуковое полотно одновременно статичным и динамичным. Последнее передается через ветер и воздух – духовые деревянные инструменты, а также фонограмму с записью домбры. Все это – идейно-художественный образ ветра, переданный максимально точно при помощи технической обработки.

Слушая это сочинение, невольно ловишь себя на мысли, что ветер, он же поток воздуха, действительно обладает невероятными свойствами. Он способен не только переносить звуки, передавать информацию, воспроизводить звук, но и сохранять их в себе. Удивительно, что при разной силе потока, содержание его не улетучивается. Поэтому при прослушивании может показаться, что нам слышится чей-то голос, человеческая речь, звуки музыкальных инструментов, что-то близкое и понятное каждому.

Уникальность замысла определяется природными свойствами каждого используемого компонента. В сочинении ничто не зафиксировано нотами, все изложенные ритмы получились сами собой, благодаря записи в естественных условиях.

Как отмечает Дария: «Мир переполняется. В каждодневной жизни слишком много суеты: не остается времени и ресурсов чтобы вспоминать о доме. Нужно иногда замедляться. Эмбиент это делает: его минималистская музыка оставляет пространство для потока мыслей, созерцания. Эмбиент – это про погружение, это – күй, который в переводе с казахского означает «состояние». Можно сказать, что сочинение передает определенное состояние, побуждает сконцентрироваться на собственных ощущениях, на том, что переживает наше тело как проводник между разными информационными и временными областями.

Музыкант, пианист и вокалист. Работает, в основном, в жанрах соул и поп, стремится ярко и с полной жизненной силой развивать свое творчество. Тембр голоса интересный и своеобразный, соответствует соул-исполнителю. Многие музыканты сравнивают его со Стиви Уандером, который, действительно, оказал большое влияние на формирование стиля и художественного вкуса Жениса.

Музыкой начал заниматься с ранних лет: сочинял песни и пел под гитару. В студенческие годы ему была особенно интересна джазовая гармония, в результате Женис начал применять приобретенные навыки для работы в стиле соул и других направлениях.

Артист придерживается мнения, что для формирования хорошего музыкального вкуса и профессионализма исполнителям необходимо слушать больше качественной музыки, по возможности – исполнять ее. Поэтому его творческий процесс – это ежедневный труд, занятия за инструментом и поиск звучания, которое будет находить отклик в душе, позволит погрузиться в мир выраженных эмоций, чувств и ощущений. Постепенно и органично складывается художественный и звуковой образ сочинения...

Источниками вдохновения для Жениса служат люди, верные себе и своему делу, иногда нечто несущественное, мелочь, которую можно даже не заметить, если не быть внимательным, и, конечно – музыка. Как говорит сам Женис: «Есть песни, композиции, обладающие невероятными свойствами. Они мотивируют даже в самые сложные времена». Так, заявленная в рамках музыкальной резиденции песня «My Soul» – это синтез музыки и состояния души исполнителя. «Главное – найти свое, осознать и ценить. Это моя душа, «My Soul»! Я думаю, музыка – это отражение души».

Образ жизни и работы Жениса полны добрых намерений и искреннего желания творить, и это подкупает.

Песня отражает жизненную позицию автора, и, если всмотреться пристальнее, – состояние души ("soul" с английского переводится как «душа»). Отличительная черта композиции – ощущение свободы, позитивного спокойствия, принятия себя и выбранного пути. Каждое слово – это энергетический поток, который побуждает к осознанию своего места в мире.

Соул с его характерным эмоционально-чувственным настроем выбран как нельзя кстати. Легкое невесомое инструментальное вступление на фоне шуршащего звука старой пластинки создает уютную солнечную атмосферу. Сохраняющийся в таком же ключе аккомпанемент клавишных дает слушателю возможность расслабиться и получать удовольствие от музыки в целом и от тембра голоса солистов. Особый колорит брасс-вставок работает как некий импульс к действию.

Ритмическая пульсация клавишных сохраняется до середины песни. Потом происходит интересное погружение в музыкальную напевную речитацию у партии Nasiafromasia, словно наводящую на мысль, как важно позволять людям быть самими собой. В этом разделе внимание сосредоточенно на тексте, в связи с чем инструментальная составляющая не акцентируется, а лишь поддерживает покачивающийся, слегка пульсирующий ритм.

В целом неспешный темп и плавные переливы пассажей у выбранных инструментов и вокальной партии создают общий просветленно-поэтический настрой и характерную для школы соул технику инструментовки. Сочинение выделяется среди множества других песен этого жанра, потому что говорит не о проблемах и печали, а воспринимается как поток позитива, помогающий поверить в себя.

Звукорежиссер и продюсер, который на протяжении семи лет сотрудничает с представителями независимой казахстанской сцены: Me and my invisible orchestra, Darkhan Juzz, AIGÜL, sobakasoma, Игорем Бушмелевым и другими. Он продюсирует музыкальные релизы, пишет аранжировки для артистов и музыку к спектаклям, в основном работая в таких жанрах, как дрим- и инди-поп, трип-хоп. В последнем Константин выпустил EP под сценическим именем El Koss. Помимо этого, Константин пишет и электронную музыку, занимаясь также гост-продакшном.

Он признается, что из-за отсутствия музыкального образования ему сложно считать себя композитором. Но, на мой взгляд, его технические навыки и звукорежиссерское образование доказывают обратное: Константин напрямую работает с музыкальным материалом, исполнителями и разными составами, но при этом фиксирует процесс и результат в глубоко индивидуальной манере.

У Константина выражены чутье на гармоничное и естественное звучание, особая эстетика воплощения материала, четкое видение того, что и как должно работать в композиции, – словом, все присущие композиторам качества.

В поле его творческой и профессиональной деятельности попадает работа с артистами, помощь в реализации их идей, а также то, что он пишет для себя. Музыку Константин, по его словам, воспринимает через эмоции, слышит ее цветовой окрас, а простота для него – важнейшая характеристика сочинения.

За плечами у Константина много интересных проектов: например, музыка к спектаклю «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» (режиссер-постановщик Куба Адылов). В последнее время особое место в творчестве продюсера занимает совместная работа с Маликой Колесовой над проектом Me and My Invisible Orchestra.

В рамках резиденции было записано произведение Never Fall In Love. Слова, мелодия, вокал – Малика Колесова, контрабас – Алтынбек Мурзабеков, ударные – Константин Зимарин, гитара – Руслан Журбин, клавиши – Семен Баев, брасс-секция – Брасс Бэнд Нурболсына Толеухана; продюсирование, аранжировка, запись и сведение – Константин.

Never Fall In Love – дань уважения американской джазовой и блюзовой эстраде 60-х годов прошлого века. Попытка через имитацию прочувствовать атмосферу музыки того времени, которая стала истоком многих современных жанров и отличалась акцентом на сторителлинг. Эта композиция была создана как способ «примерить на себя» эпоху Билли Холидей, Дины Вашингтон, Пэтси Клайн. Лиричность композиции характерна для песен того времени. Это исповедь – с долей горькой самоиронии – человека, который так привык быть один и делать все сам, что ему становится страшно: вдруг он никогда не сможет никого полюбить и довериться кому-то? Но в то же время герой не желает быть с кем-то без любви.

Песня коллектива, который обращается к музыкальной традиции, – пример весьма удачного решения, которое позволяет почувствовать историю, осознать значимость сформированных в прошлом художественных ценностей. Песня написана в жанре американского джаза в сочетании с блюзом в манере 60-х годов ХХ века. Как отмечают участники коллектива, «эта композиция была создана как способ примерить на себя и прочувствовать эпоху Билли Холидей, Дины Вашингтон, Пэтси Клайн. Это исповедь, с долей горькой самоиронии, человека, который так привык быть один и делать все сам, что ему становится страшно — вдруг он никогда не сможет никого полюбить и никому довериться? Но в то же время герой не желает быть с кем-то без любви».

Используемый состав – брасс-бэнд, ударная секция, электрогитара, вокальная партия. Лирическая составляющая композиции характерна для песен того времени. Заявленные тембровые решения согласуются с выбором инструментального состава, соответствуют жанру, усиливаются манерой вокального исполнения – характерное расширение при помощи носовых гортанных звуков, шепот, резкое форсирование нот, подражание звучанию духовых инструментов.

Блюзовая манера исполнения постепенно проникала во многие музыкальные жанры, что позволило блюзу завоевать определенную популярность. Как и ранее утвержденная форма организации композиции, гармонические решения в сопровождении мелодии на основе блюзового лада нашли свое место в песне «Never Fall In Love».

Открывается песня инструментальным вступлением в манере бендинга. Затем ритм-секция задает спокойный темп, выдерживая ритмический рисунок. Вступающая вокальная партия также использует манеру бендинга, что придает мелодии эффект непредсказуемой переменчивости, гибкости, плавности скольжения с элементом некой вальяжности. Характерным приемом также можно назвать ритмическую пульсацию в окончаниях фраз и инструментальные проигрыши.

Особая подача и организация музыкальной ткани делают это произведение доступным каждому, но при этом те, кто ценит историю джазового искусства, смогут насладиться его новым прочтением.

Композитор, саксофонист, который пишет музыку, не оглядываясь на массовый вкус современных казахстанских слушателей и исполнителей. Это преимущественно рок в синтезе с другими направлениями, но с характерными для него свойствами – самодостаточностью, мятежностью, раскованностью и резкостью, которые дополнены индивидуальными композиционными приемами Дамира, а именно, сочетанием мелких контрастных компонентов в одном звучащем полотне. Музыкант работает в направлениях jazz, ethno, art rock, indie rock, fusion, ethno rock, jazz rock.

Дамир обучался в колледже по классу саксофона. Получив начальный исполнительский опыт, занялся композиторской деятельностью. Эти грани творческого процесса всегда были взаимосвязаны для музыканта. Дамира интересовали новые исполнительские техники и необычные приемы звукоизвлечения, – все это находило место в его сочинениях. По мнению Дамира, к музыканту в любой момент может прийти идея в виде ритма или мелодии. «Далее я беру один из музыкальных инструментов и начинаю вырисовывать мелодию на нем. Записываю все идеи в музыкальном редакторе. В процессе образуются соответствующие структура и объем. Бывает, что мне нужно больше времени и экспериментов для осознания целостности композиции и уместности того или иного звучания. После приходит момент, когда нужно оставить в покое уже самодостаточный трек, чтобы не испортить и не разрушить собственные изначальные ожидания».

На сегодняшний день Дамир владеет сыбызгы, гитарой, бас-гитарой и клавишными инструментами. Как исполнитель и композитор он стремится пропагандировать казахские народные песни, приблизить их к нашему времени, обогащая музыкальный язык современными средствами. Для этого прорабатывает не только аудиальный материал, но и дополняет его визуальным, создавая видеоклипы. Его фанатичность и вовлеченность в творческие проекты восхищают. Не случайно музыкант говорит: «Любой эксперимент – это опыт».

Дамир входит в состав проекта Aray Tribute, в рамках которого выступает Роза Рымбаева и другие ведущие современные артисты Казахстана. Это значимый проект для казахстанской культуры, все участники которого стремятся продвигать качественную профессиональную музыку.

Произведение, написанное в рамках резиденции, – Apashkas Dance, реверанс той-бизнесу и его многогранности, характерной для казахстанского музыкального рынка. Состав: бас, гитара, фортепиано, барабаны, саксофон.

Название музыкального сочинения отражает его содержание – таково его назначение. Однако, в некоторых случаях, название не совпадает с результатом, а порой даже противоречит ему. И это тоже может стать показателем оригинальности замысла, отношения автора к реальности. Композиция «Apashkas dance», как может показаться, должна нести черты танцевального жанра либо отражать какое-то событие. Сам автор отмечает, что это «реверанс» казахстанскому той-бизнесу. Можно ждать, что нам представят традиционный для индустрии музыкальный материал, либо продемонстрируют свой взгляд на него через язык музыки.

В итоге оправдывается второй вариант. Выбранное название оказывается иронией, вызовом современной казахстанской музыкальной «индустрии», которая отличается излишне упрощенным языком и подобной же подачей материала, отсутствием глубокого содержания. Первое, на что стоит обратить внимание в «Apashkas dance», – непрерывный напористый поток музыкального развития, который с исполнительской стороны показывает сложнейшие технические возможности инструментальной музыки. Сквозной тип развития не позволяет слушателю остановиться и поразмышлять, задуматься, да и к танцам не располагает. Слушатель погружен в поток, ощущает суровую реальность.

Состав – тенор-саксофон, ударная секция, фортепиано, электрогитара, бас-гитара. На начальном этапе настрой создают партии фортепиано, ударных и бас-гитары, которые изложены мелкими длительностями в пунктирном и синкопированном ритме. На их фоне в унисон звучит партия саксофонов. Мелодия у них отличается колкостью из-за начальной интонации нисходящего хроматизма и синкопы. Повторяющаяся фраза постепенно видоизменяется с каждым новым проведением. Такая «зацикленность» влечет за собой обострение эмоционального напряжения.

Всего в произведении три волны развития, которые разделяются экспрессивным переходом, напоминающим по стилю тяжелый рок – весомый по звучанию, с оттягивающими моментами. Первая волна представлена как введение в процесс, вторая отличается динамичностью и развитием ритм-секции. С каждым разом основная музыкальная фраза у саксофонов постепенно усложняется и достигает своего накала, порой до «истеричного» звучания, технически сложного, исполняемого на пределе возможностей. Третья волна – динамический пик в партии всех инструментов. Обрамляется сочинение основной музыкальной фразой, однако в конце она проводится только у солирующей электрогитары.

Этот «реверанс» (термин композитора) можно воспринимать по-разному. Но точно можно сказать, что музыкальный материал этого произведения способен побудить к переоценке ценностей, пробуждению бунтарского начала. Такого рода музыка с ее максимально выраженной экспрессией противостоит «продукции» отечественного музыкального рынка, как содержанием, так и технической стороной.

Музыка не сразу заняла в ее жизни то важное место, какое занимает сейчас. С детства Виктория пела в церкви, слушала много песен, вникала в музыкальный и литературный тексты, однако не предполагала, что музыка станет для нее смыслом жизни и профессией. Отец Вики перед сном всегда включал ей музыку, так как хотел, чтобы у дочери сформировался хороший музыкальный слух. Она родом из Уштобе, училась в Китае по направлению «Международная экономика и торговля». Однако поняла, что эта профессия ей не близка. Изучала языки, особенно увлеклась английским, восхищаясь его выразительными возможностями, особенностями произношения и лексики.

В 2018 году попала в «Школу поклонения», где проходила духовные практики. Что интересно, в школе практиковались сочинение песен и аранжировки. Тогда Виктория начала учиться играть на гитаре. Девушка не верила, что у нее есть к этому какие-либо способности, так как не обучалась музыке профессионально. Но на практике успехи у нее оказались впечатляющими.

В 2020 году, вернувшись в Казахстан, стала выходить из «зоны комфорта», записывать каверы, выкладывать их в интернете. В какой-то степени это был сложный и переломный для исполнительницы момент, так как многие люди из окружения Вики не поддерживали эту идею, считая, что профессия музыканта не так значима, и, чтобы добиться большого результата, нужны время и возможности.

Вика выбрала песенный жанр не случайно: он, по ее мнению, уникален. В нем большое значение имеет словесный текст, который наполнен смыслом. Ее песни отличаются наполненностью, продуманностью и структурой. В них раскрываются важные жизненные ситуации и проблемы, от любовных переживаний до размышлений на тему защиты природы, – словом, того, без чего невозможно представить сегодняшнюю жизнь человека.

Вика играет на клавишных, гитаре и укулеле. Благодаря музыкальной резиденции Batyr Lab она получила первый опыт работы в музыкальной студии с живым коллективом, причем музыканты дали ей много ценных советов. Этот опыт нашел свое продолжение в записи песни для проекта, в которой как раз рассказывается о нелегком выборе, о том, как автор принимает сложное, но верное решение писать песни и исполнять свою музыку.

Просветленность, ощущение душевной теплоты и заботы, спокойствие, доброта, уверенность в своем пути проявляются в голосе и исполнительской манере Вики, определяя ее как музыканта и композитора.

Наполненная светом песня, сочетающая лаундж и поп. Первый стиль помогает создать расслабляющий эффект в начале сочинения при помощи мягких звуков, гибких переходов, последующего постепенного развития. Второй воплощен через доступность текста, легкость подачи мелодии и ее простоту. Манера исполнения – речитация в куплетах и широкие легкие распевы в куплетах на фоне гитарного и трубного сопровождения.

Учитывая позицию автора «написанные и преподносимые тексты всегда должны нести информацию слушателю», естественно, обращаешь внимание именно на текст. В данном случае – это рассказ об отношениях двух влюбленных, их эмоциональной связи. Но у слушателя всегда остается возможность выйти за пределы сюжета и провести аналогии с тем, что близко ему самому.

Вступление начинается с выдержанных педальных мажорных аккордов, на фоне которых появляется гитарный проигрыш. С одной стороны, может показаться, что песня не несет новой информации. Однако органично подобранные средства музыкальной выразительности, волнообразная мелодия и поступенное движение в простом ритмическом рисунке с небольшим количеством синкоп в конце каждого предложения придают песне легкость и своеобразие, привлекая внимание к словесному тексту. Интересен прием использования солирующей трубы на фоне инструментального аккомпанемента с его танцевальной основой, гармоническими тембровыми решениями, чье певучее и «живое» звучание привносит яркий эмоциональный заряд, создает своеобразный пространственный эффект и, в целом, освежает песню.

Все перечисленное держит внимание слушателей и делает композицию доступной для широкой аудитории. Тембр голоса Виктории, обладающий особым светлым и мягким колоритом, инструментальный состав – ударная группа, гитара, и труба – придутся по вкусу многим. Текст тоже не оставит слушателей равнодушными и вызовет желание размышлять вместе с автором.